Pilar Soberón, visual artist

La artista Pilar Soberón García alterna diferentes medios y lenguajes creando obras en continuo desarrollo y mutación. En su propósito, elude el resultado final y busca la participación del espectador como elemento existencial. Así se funden fotografías, instalaciones, video-creaciones, dibujos y sonidos creados no solo para activar y provocar reacciones en el ser humano sino también para explorar los límites del espacio expositivo como probeta experimental de nuevas formas de comunicación.

martes, 23 de agosto de 2016

REALIDADES FLUIDAS I. CROSSING THE HOLE. Pilar Soberón - Gentz del Valle

PERFORMANCE TAG

 KUNSTHAUSS

WIESBADEN


Sábado 23 Julio, 11:00-17:00 

IG GALERIEN & KULTURAMT WIESBADEN

  

REALIDADES DINÁMICAS ATRAVÉS DEL ACTO DEL DIBUJO



En la era en la que todo lo sólido se desvanece en el aire, e inmersos en el continuum espacio-temporal, se presenta Realidades fluidas I, Crossing The Hole, en Kunsthaus Wiesbaden, una performance colaborativa propuesta por Pilar Soberón, con diversidad de medios y propuestas y con el dibujo como instrumento de conocimiento y percepción. La intervención artística está abierta a la participación del espectador y promueve la disolución de límites (espacio expositivo), de disciplinas artísticas (video-fotografía-dibujo-escultura) y de categorías y roles (artista-creador-espectador). Para ello cuenta con la especial colaboración de la artista invitada Gentz del Valle que inserta y superpone una nueva dimensión a partir de la disposición de fragmentos de dibujo que autogeneran un paisaje mayor construido por multiplicación y en colaboración. 





Performance-Tag, Kunsthaus Wiesbaden,
izq. Realidades Fluidas I. Crossing the hole, Pilar Soberón, 
 drcha.  Paisai Amaiezina. Gentz del Valle.






Indudablemente, los descubrimientos científicos, la física cuántica, la teoría de las cuerdas, Einstein y Hawking nos acercan a una nueva manera de entender el mundo, un mundo comprendido hasta hace poco como cerrado y estático se ha convertido en un ente dinámico y cambiante, al igual que nuestra práctica artística. Consecuentemente, la percepción fluida del espacio, donde todo se organiza en un devenir temporal creado desde nuestra experiencia física, viene a incrementarse por el flujo comunicacional del nuevo medio ambiente en el que nuestros cuerpos y nuestras experiencias están sumidos: el continuo flujo de información generado en los medios electrónicos. Admitir que el tiempo es la cuarta dimensión, que todo está en proceso, que nuestra sociedad es líquida, que nuestra percepción es cambiante al igual que el espacio que nos rodea es la base del pensamiento fluido[i]


Desde la puesta en escena del acto de dibujar, se manifiesta la supremacía del proceso,  con la investigación de los propios medios artísticos y reivindicando la importancia del dibujo como medio de percepción. Así, a través de la acción, del efímero e intuitivo acto de dibujar, se desvelan mecanismos de percepción subyacentes, la desmaterialización del arte, la des-solidificación de la obra de arte y la disolución del rol de artista.


[i] Soberón García, Maria Pilar, In-fluido: lo fluido como concepto y práctica artística, Servicio Editorial de la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatearen Argitalpen Zerbitzua, 2016, http://addi.ehu.es/handle/10810/17565






Pilar Soberón, Realidades Fluidas I. Crossing the hole, detalle
 12 x 2,70m, proyección, resina de pino, Helichrysum stoechas, taraxacum laevigatum y Castanea sativa








Pilar Soberón, Realidades Fluidas I. Crossing the hole. Creación en colaboración con el público de Kunsthaus Wiesbaden.











Paisai Amaiezina

Gentz del Valle 


Particularmente para Gentz, la materia del dibujo evoca acciones íntimas, personales, surgidas de la improvisación vital en la que todos nos reconocemos. Por su precaria naturaleza el dibujo nos recuerda lo constante del cambio, la parte inasible de la realidad, lo frágil de nuestras certezas, lo inútil de creer por mucho tiempo en una posible o deseada estabilidad o permanencia; al situarse fuera de ella cuestiona de forma molesta nuestra consensuada idea de progreso. Si las otras artes resultan más corpóreas o más reales, los dibujos no nos permiten esa ficción.







Gentz del Valle, Paisai Amaiezina, medidas variables, 2,15 x 13 m, 
15 dibujos al carbón (Din A-4)  fotocopiados n-veces





Gentz del Valle (Lekeitio, Bizkaia)  es artista, doctora en Bellas Artes y profesora titular del Departamento de Dibujo en la UPV-EHU. Ha escrito el ensayo En ausencia del dibujo: su enseñanza tras la crisis de la Academia (2001),  y su obra reflexiona sobre aspectos de género, nuestra relación con la naturaleza o el cuestionamiento de la identidad. Sus exposiciones a menudo toman la forma de instalaciones, incluyendo soportes diversos como fotografías, esculturas, videos, y una presencia constante del dibujo. Ha participado en Art Brussels y Art Cologne (2006), en International Video Art House IVAHM, Madrid, y Seoul International NewMedia Festival NEMAF (2014).








Gentz del Valle, Paisai Amaiezina, detalle
Gentz del Valle, Paisai Amaiezina, detalle







Gentz del Valle, Paisai Amaiezina, en proceso.













Pilar Soberón (San Sebastián 1971)  vive y trabaja entre San Sebastián y Los Picos de Europa. Doctora Cum Laude en Bellas Artes, desde su creación artística se sedimenta su tesis doctoral In-fluido: Lo fluido como concepto y práctica artística (2016). Finalista en Photissima Art Fair Venice 2015, y en la XXXVI edición de Fotografía ABC entre otros, ha participado en ferias internacionales como MIA Milan Image Art Fair, ARCO y ArteSantander y en muestras internacionales como Metaillusioni, en ART1307 en Nápoles. Seleccionada en Wiesbaden Kunstsommer Festival 2014, su semilla voladora Aeolia´s Park se posa definitivamente en Kurk Park en 2015 como fruto de la participación y colaboración de los ciudadanos de Wiesbaden.
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Pilar Soberón, Realidades Fluidas I. Crossing the hole, detalle
 12 x 2,70m, proyección, resina de pino, Helichrysum stoechas, taraxacum laevigatum y Castanea sativa. Creación en colaboración con el público de Kunsthaus Wiesbaden.



























En colaboración con el público en Kunsthaus Wiesbaden














Resina de pino, Helichrysum stoechas, taraxacum laevigatum y Castanea sativa














En colaboración con el público en Kunsthaus Wiesbaden









Pilar Soberón, Realidades Fluidas I. Crossing the hole, detalle











En colaboración con el público en Kunsthaus Wiesbaden
















Thanks to the people from Wiesbaden: Christine Rother, Gottfried Hafermann and his daugther, Isolde Scmidt, Armin klein, Ute Bleissner, Wolfgang Gemmer, Gilda and more anonymous collaborators who participated.
And to artists from Wroclaw: Tomasz Opania, Kamila Wolszczak, Alekxandra Walaszek, Zuzanna Wollny and Sara Nabil.
And Thanks to Vasc artist Gentz del Valle.



















©texto: Pilar Soberón y Gentz de Valle
©Imágenes: Pilar Soberón y Fotógrafo de Kunsthaus Wiesbaden



jueves, 14 de mayo de 2015

Paisaiaren murmurioa / Cuando el paisaje habla


Centro Kultural Koldo Mitxelena
Donostia-San Sebastián
12 marzo - 30 mayo 2015


















"Nature is for me a place of observation, where I investigate the natural phenomena I address in my work, where I explore the unconscious, a matter which draws my attention due to the symbolic representations that can be found there. What is individual is diluted in the essence and the collective whole.

In my work, which is focused on different techniques and languages, I avoid the final result to find first and foremost the participation of the spectator as the most important element. Therefore, photographs, facilities, video creations, drawings and sounds are created not only to activate and cause reactions in the human being, but also to explore the limits of the exhibition space as a test tube of new ways of communication through objects and pieces I produce.   

For me, nature represents an example of the two tracks I am interested in, a reflection around the human being and also a place where my artistic processes investigate the relationship with the spectator"  

Pilar Soberón, extract of the interviuw by Koldo Mitxelena Kulturgunea





"La naturaleza para mí es un lugar de observación, donde investigo los fenómenos naturales que abordo en mi obra, cómo donde exploro lo inconsciente,  un territorio que me atrae ya que en él se encuentran las representaciones simbólicas, lo  individual se diluye en la esencia y en el todo colectivo.

Para mí Natura supone  un exponente de las dos vías que me interesan, una reflexión en torno al ser humano y también un lugar donde mis procesos artísticos investigan la relación con el espectador.


Por ejemplo, el bosque es un reducto donde florece abundante la vida natural, no dominada ni cultivada, simboliza lo femenino y a su vez es un espacio temido y habitado por dioses y por monstruos. El miedo a caer en la no-conciencia, a perderse en el bosque,  se manifiesta claramente en los cuentos infantiles, de ahí que represente el aspecto peligroso del inconsciente, según Jung, su naturaleza devoradora y ocultante de la razón.












Pilar Soberón, Sima vertical, (2015), 120 x 80cm, colour photograph, metacrylate and aluminium.














Sima horizontal, (2015), 80 x 120 cm.

















Sima, (2015), 150 x100 cm.














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Geo (2015), 80 x 120 cm. colour photograph, metacrylate and aluminium.










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Entropía
Pilar Soberón


Ésta muestra recoge diferentes campos de investigación en proceso que se comunican con  Natura en sus dos vertientes: locus amoenus, como naturaleza romántica y salvaje, de donde se nutre el mito del paraíso perdido de Mircea Eliade, y la naturaleza como locus horrendus, a veces devoradora, donde lo sombrío, lo inquietante y lo recóndito confluyen.

En Sima (2015) se hace latente lo subterráneo a través de la caída espectral, el concepto de agujero se mezcla con el de la boca, como el órgano devorador de una naturaleza destructora. Boca y sima suponen el punto de unión de dos mundos, interior y exterior, vivificando múltiples conexiones con lo subterráneo, el mundo oculto, de nuevo, la no conciencia. En las tres obras, Sima, Sima vertical y Sima horizontal, todas del 2015, lo abismal atrae bellamente.

Estas obras ofrecen una tensión con Geo (2015), obra con una mirada más gélida y metálica, que nos traslada a un lugar lejano, no explorado, ni civilizado, una vez más, la naturaleza desafiante se muestra enigmática y desconcertante, cercana a la abstracción. 

La observación de los fenómenos naturales activa los procesos de creación, así mientras  la nieve describe el espacio negativo en la naturaleza que se recoge en las obras de Sima, la cera de modelado ha capturado el espacio negativo del cuerpo generando Atximurrak (2009-2015), y trasciende hacia el dibujo con la obra Isotropía ( 2015) realizada en tinta de rotulador plateada, que recoge el perfil de la Peña Valcayo en Los Picos de Europa, dibujando la nieve sobre la montaña invernal, es decir el espacio negativo de la roca, en un paraje de melancolía que empatiza  con Los cazadores en la nieve (1565) de Brueghel el viejo, que documenta la edad de hielo de aquella época.

En toda la muestra late esta idea de melancolía, innata al invierno, a la muerte y a la regeneración de la vida.

Por ello para mí Natura supone estás dos vías, una reflexión en torno al ser humano y también un lugar donde mis procesos artísticos cobran vida.”  Pilar Soberón












Bosque isotrópico, (2015),  1,50 x 3 m., montaje fotográfico,  Fotografía Iñigo Royo



















Bosque isotrópico, (2015), detalle,  1,50 x 3 m., montaje fotográfico












Atximurrak (2009-15) y Bosque Isotrópico (2015), Fotografía Iñigo Royo.




















Geo ( 2015)  y Atximurrak (2009-15), Fotografía Iñigo Royo










Atximurrak, (2009-15), aluminio fundido, 10x8x7cm.  aprox. c/u. Fotografía Iñigo Royo































Atximurrak, (2009-15), aluminio fundido, 10x8x7cm.  aprox. c/u. Fotografía Iñigo Royo

























Atximurrak, (2009-15), aluminio fundido, 10x8x7cm.  aprox. c/u
























Atximurrak, (2015) detalle



























Isotropía (2015), dibujo a rotulador y aluminio fundido

























Isotropía (2015), 5 x 3m. dibujo a rotulador y aluminio fundido.














































Paisaiaren Murmurioa / Cuando el paisaje habla
Mari Jose Aranzasti

El Romanticismo irrumpe con fuerza cambiando por completo, entre otras cuestiones, el concepto de paisaje.  Emoción e intuición frente a la razón neoclásica; naturaleza desbordante, de caos, de ruinas y de desastres frente al orden, la contención y la racionalidad del Neoclasicismo.
En esta exposición Paisaiaren Murmurioa/ Cuando el paisaje habla  se siente  que el paso del tiempo no se percibe hasta que éste ha transcurrido. El abanico de múltiples miradas hacia el paisaje, a la vez que las reflexiones que de ellas se derivan se exponen a través de las diferentes propuestas y procesos de los siguientes artistas seleccionados.
El acuñado término literario de locus amoenus, como lugar idílico y ameno sugiere la existencia de una Naturaleza edénica, de paz y de sosiego: la de un paraíso. Pero también existe el locus horrendus: lo sombrío, el enigma y misterio inquietante del bosque, lo recóndito y desconocido, lo subterráneo y abismal, lounderground, el límite ilimitado, los paisajes silenciosos, los desastres etc.
En esta última década  hay que subrayar que la tecnología digital ha cambiado de forma singular nuestras vidas y el arte también se ve inmerso en esta nueva modalidad en la que el orden y lo racional  lo implanta la tecnociencia y lo global.
La incertidumbre está presente en el paisaje de la artista Iranzu Antona (Pamplona, 1979) y esto lleva al espectador a reflexionar.  Por una parte, produce  cierta inquietud y por otra, se adentra en el mundo de lo recóndito, de los lugares no accesibles, enmarcados en el límite.  Desde el tratamiento del análisis, en el que prima la esencia, aparece lo salvaje, la naturaleza tal cual y con ella el esplendor de su fuerza.
La perfecta unión entre poesía y paisaje, dentro de la escultura poética,  alcanza dosis de gran lirismo en las obras de María Cueto, (Avilés, 1960) artista que construye unos paisajes, verdaderos poemas plásticos, compuestos de pequeños fragmentos del mundo. Estas obras dibujan en el aire grafías en suspensión y sutiles movimientos, inmersos en una naturaleza de calma y sosiego, de silencio y  paz, con un  aura oriental y gran carga a su vez, de melancolía.
Un universo en  constante proceso de experimentación que logra un paisaje creativo muy personal,  compuesto también por fragmentos de la propia naturaleza, con referencias del mundo vegetal, de líquenes, de musgos, de lo micro, a la búsqueda incesante de nuevas cartografías y mapas que se convierten en verdaderas  sinfonías musicales es el que muestra Arantxa Guereño (Donostia, 1955). La artista sumerge al espectador en una naturaleza abstracta, reiterativa, también muy poética, de paraísos edénicos, de follajes boscosos, coloristas, de juegos y de  formas muy estructuradas,  tanto orgánicas como  geométricas.
El artista multidisciplinar Álvaro Matxinbarrena (Donostia, 1958) presenta con su vídeo la incorporación al paisaje de su propia experiencia vital, sus reflexiones, sus propias interferencias-referencias, las  relaciones con determinados objetos  que conforman la inclusión de un personal bodegón o naturaleza muerta. Un viaje interior y autobiográfico, en el que hay cabida para alguna de las pasiones personales del artista, donde también el paisaje se convierte en paraíso inquietante y  en el que juega un papel importante la singular  música compuesta por Ibon Errazkin.
Hay una constante que recorre muchas de las obras de estos artistas presentes en esta exposición. Por un lado el tema de la desaparición, del cambio continuo, porque es imposible que el tiempo se detenga, por lo que  la evocación de la muerte, siempre al acecho subyace  agazapada.
Ese paso del tiempo se vislumbra también  en esas fotografías heladas de la artista Pilar Soberón (Lasarte,  1971), tanto en el sentido intrínseco, de las gotas de hielo que contienen, como en el figurado, congeladas en el tiempo,  obras que  nos trasladan al concepto de abismo, a la sima, al trou, a la simbología de la boca y a la de  una naturaleza, a veces devoradora y con un gran símbolo latente de lo femenino.
Donde no hay ruidos, ni sonidos, pero sí ritmo es en la obra generativa, construida a sí misma, programada dentro del software art y que,  configurada al modo de un algoritmo, proyecta en el techo un paisaje geométrico, de múltiples variables, en un devenir constante, infinito, realizado por el artista Jaime de los Ríos (Donostia, 1982), fundador de Arte y Ciencia, Artklab con el cual nos adentramos en visiones tecnológicas más recientes.
Las fotografías de Iñigo Royo (Donostia, 1962) están ligadas como gran parte de su trayectoria artística a la seriación, reiteración y a determinadas  referencias literarias. Su obra está plagada de complejas paradojas, al intentar plasmar lo irrepresentable como el paisaje desértico del vídeo, en el que se insiste más en lo auditivo que en lo visual. La grandilocuencia de determinadas palabras, gracias al buscador google earth se convierten  repentinamente en lugares, en sitios concretos.
Ciertas evocaciones románticas de las ruinas, de la invasión implacable de la naturaleza enmarañada que se adentra como maleza invasora aparecen en las  fotografías del artista Unai San Martín (Eibar, 1964). La nostalgia de un paraíso quizás ya perdido, en unas  obras con claros  efectos pictorialistas y abstractos, como la   la superficie del mar, la bruma,  sin límites visuales hacen aflorar una gran belleza profundamente melancólica.
Una plataforma colectiva creada en 2005,  a partir de un grupo de artistas configura Soinumapa.net, el mapa sonoro del País Vasco que ha compartido múltiples sonidos sonoros a través de una página-archivo que todavía está vigente y sigue en construcción. Hasta la fecha 643 entradas y abierta la participación al que lo desee para añadir nuevas grabaciones.
Los profundos y oscuros abismos, las confluencias subterráneas y sus corrientes, lo dedentro y lo onírico conforman otro viaje interior para emprender. La artista  Gentz del Valle (Lekeitio)  a través de la magia y del poder evocador del dibujo nos dirige hacia un mundo en el que la naturaleza siempre aparece cambiante y velada. Una naturaleza interior compleja, enigmática, muy vinculada también por otra parte con  la mitologia y la femineidad.









 
 









sábado, 3 de enero de 2015

Phylococcus in Napoli



Meta-illusions     Art1307
Curator: Emiliano D'Angelo and Cynthia Penna




Phylococccus (2014), seeds of clematide and colour photograph on aluminium and metacrylate. 5 x 4 m. aprox.
Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples. 








  
ING  EU ES    ITA

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 META-ILLUSIONI the garden of impossibility




“History is that certainty produced at the point where the imperfections of memory meet the inadequacies of documentation.”  (Julian Barnes: The Sense of an Ending)
Or, to quote Magritte:   “This is not a pipe”
To introduce to or explore the world of so-called “conceptual” photography appears anything but easy, because the photographic medium has ever since its early years been considered a means suited, par excellence, to reproduce reality.
We remember that it was precisely the introduction of photography which caused a crisis for painting as a medium and for all portraiture art of the 19th century, as it was capable of reproducing reality as it “really” was and not as it was, in some way or other, elaborated by the hand and mind of the artist. If we examine the semantics of our language we realize that the term “objective” has many meanings: “objective” is an object used in photography, or in other words an object which is “focused” on something and serves to define it, characterize it and reproduce it; “objective” means known, recognized by society as something accepted to be real; and finally “objective” is also the end purpose and aim of an activity or thought. The very same word is therefore used to define real situations or objects, a cross-section of reality, and at the same time to identify the object which, in photography, in a fraction of a second freezes a fragment of life and reality and, as we say, immortalizes is or gives it an atemporal dimension.
The great photographers of the 20th century from Robert Doisneau to Cartier-Bresson, to Steve Mc Curry’s images and reportages of war, to the photographic exploration of the human body of Helmut Newton and Robert Mapplethorpe, showed reality by transposing it to photographic paper, immortalizing an instant of reality, a human sentiment or the human body as object, that is to say objectified in an action.
After about two centuries of photography of “reality”, we are today witnessing the creation of a photography which bears witness to unreality, or meta-photography.
The surreal, the deformed side of reality, the invention of a scenario which does not exist or exists in different forms, comes into play to render a message subjective, or perhaps we should rather say to communicate a personal image of reality that is no longer limited to the surrounding reality but may range
freely within the bounds of the author’s imagination.
The artist-photographer elaborates reality, overturning and distorting it, entering the world of falsehood to oppose truth and follow a dream, and touches the chords of emotion.
It is a matter of a neo-surrealist meta-photography in which the “concept”, the idea, become the only basis and purpose of the photographic shot and the dominant element of the reproduced scene. It is no longer reality which determines when the image is to be taken, but the idea that has to take form and that shows the photographer when to activate the shutter, just as it determine the form and guides the brush in the painter’s hand. The essential element is no longer the photographed object, but what is to be found behind the apparent representation of reality which, in the final analysis, has nothing real about it any longer.
It is a matter of working through “visual hybrids” which entail transformation (C. Greig), distortion and duplication of reality (P. Soussan, M.Machu), to adopt a new perception of a different reality; or a “perceptive photography, a photography which offers a new and hitherto unexplored vision of the things of the world” (P.Soberon).
It may be a reflection on space and the way it changes, (N.Evangelisti), but also on the way time, objects or the way we perceive them change.
The spectator feels deceived or unsure about what he is really looking at: reality or unreality? Is it a matter of a view, of a horizon? But is it a real horizon or a conceptual one? The eye is bewildered, and the mind begins to roam in unreality: the eye casts doubt on vision, and the mind reacts by seeking refuge in an emotional space.
Everything is permeated by subtle ambiguities and transmutations; vision plays on the dichotomy between identity and memory: a research aimed at identifying an objective, known reality and a continuous loss of this identification; the loss of objective references eventually overturns the codification of perception in the sense of an uncertainty about the actual identity of what one is gazing at. But on the other hand, is it not true, as J. Barnes observes, that “what you end up remembering isn’t always the same as what you have witnessed” and that we live on “approximate memories which time has deformed into certainties”? The question begs an answer: and what if we were to look at things from another angle? What if I were to go beyond icons and symbols, to explore a new universe? What if I were to look at a fragmented, fractioned, distorted and manipulated reality? A reality which is “different” from the one I am used to, and which I in a certain sense “expect” to see? May I discover new and different truths? New sensations and new perceptions of myself?
This is one hypothesis, an attempt to involve the spectator which these artists pursue; an aesthetic and conceptual adventure which begins with vision and ends up with touching chords of pure emotion, of extreme fascination.
“If I can’t be sure of the actual events any more, I can at least be true to the impression those facts left (J. Barnes).

Bibliography: Julian Barnes: The Sense of an Ending (Vintage Books, 2011)
  








 







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Preface by Cynthia Penna

 


Napoli. “La storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione” (Julian Barnes, Il senso di una fine), oppure per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”.


Cinque artisti da 5 nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea che ha per minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave surrealista e metafisica. 


Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio. Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico. 


“Si opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi” che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova di una realtà diversa; una fotografia “percettiva”, che offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon) - spiega Cynthia Penna, curatrice della mostra”.


Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni (N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.


Tutto si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno stravolgimento della codificazione della percezione. (28.11.14)


 


 

Phylococccus (2014), detail, seeds of clematide, Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples.






Pilar Soberón  by Emiliano D'Angelo 

 

With her photographs and installations, all centred on her fascination with the natural sciences, the interaction between elements, vegetal and animal microbiology, Pilar Soberon explores the heart of a sensibility that is ancient yet once again topical, concerning the most authoritative of epistemological models: the age of Newtonian mechanics with its vision of nature as inert matter without any intelligence, purpose or volitional energy having come to an end, the essential nucleus of a vision which predated Socrates and the Renaissance seems to have come forcefully to the fore, even if dissimulated behind an aura of modern holistic and eco-syncretic concepts. It is a matter of an approach to science characterized by a sensual and Dionysian flavour, which is based on an inclusive and overwhelming use of analogies rather than on pigeonholing and distinctive antinomies. Also the Basque artist’s curiosity with homothetic structures, whose fractal geometries represents the most fascinating and recurrent archetype, testifies to this.
Analogously – and this represents a departure from the path chosen by photographers of the “post-human” generation as Paul McCarthy and Aziz + Cucher -, Soberon is not interested in the human element, not in order to herald a presumed psychic and biologic apocalypse by staring into a glum and ultimate future but to retrace her common ascendancy with flowers, insects, leaves and the very molecules of water, an element essential to life which always plays an important role in her images. This attraction for the liquid matrix of life and organic matter is an essential element in an aesthetic (assertive and certainly not negative) based on crossing borders and hybridizing of a clearly postmodern character.







Aracno-worlds I, (2012), colour photograph on aluminium and metacrylate, 70 x 100 cm.








In her “Aracno-worlds” and “Nocturnos” series we witness the metamorphic adventures of solids that turn into liquid or gaseous substances, plants that turn into spiders, simple water drops which emulate the geometric and precious shapes of amethysts or amber pearls, semi-transparent valves set on the epidermis of enigmatic and hybrid molluscs. In her “Cryopreserved forms” series the refined dialectic between opposites as hot/cold, liquid/solid, opaque/transparent seem to combine an exquisitely contemporary sensibility with echoes of noble and antique philosophic systems as those of Tales, Empedocles, and Bernardino Telesio.
Sidestepping the temptation to pursue results that become overly lyric, surreal or that smack of new age, the artist pursues a line of iconographic rigour that never loses sight of the purely scientific basis of her speculative interest.

This distinguishes her research, also in terms of quality, from the work of countless other photographers who have wrestled with the representation of natural micro-phenomena without a clear theoretic and cultural consciousness.
To cross the border between cognitive approach and expressive attitude, between science and emotion, between sensuality and avant-garde (that old 20th-century taboo): this is no longer the heretic ambition of a handful of “overly eclectic” artists, relegated to the margins of the great international movements; it has become one of the most prolific and interesting developments which seem to characterize the new millennium.
Turning to the science of the future, Pilar Soberon invites it to dialogue with art and with the psyche, to itself turn into a form of art and thus redeem itself from the mortifying, alienating awareness of having been degraded to the role of handmaiden of applied technologies. 
 video







Cryoperserved forms I (2014),
colour photograph on aluminium and metacrylate, 40 x 60 cm.


Cryoperserved forms VII (2014)



Soberonen lanak Italian ikusgai
Txintxarri  2015/02/20
Pilar Soberon herriko artistak Napolin ikusgai jarri du “Phylococcus installation” lana. Honakoa Art 1307 kultur erakundeak antolatutako Meta-illusioni erakusketaren baitako lana izan da. Erakusketan, nazioarteko artista ezberdinek parte hartu dute. Esperientzia aberasgarria izan dela aipatzen du Soberonek eta dagoeneko Koldo Mitxelenan martxoaren 12an zabalduko den erakusketa prestatzen ari da.


Pilar Soberon herriko artistaren lanak Napolin ikusi ahal izan dira azaroaren amaieran hasi eta urtarrilaren amaiera arte zabalik izan den 'Meta-Illusioni' izeneko erakusketan. 
Honakoa, Napoliko Villa Di Donato jauregi historikoan burutu zen, garai bateko Borboitarren etxean. Egun, artearekin lotura duten ekimenak egiteko uzten du jabeak. Soberonen hitzetan, “giro berezia“ sortzen zuen lekuak. 
Pilar Soberon Lasarte-Oriako artistaren lanekin batera, Philip Soussan, Michal Macku, Cynthia Greig eta Nicola Evangelistirenak izan dira. Erakusketaren ildo nagusia 'argazkilaritzak sortzen dituen ilusioa' zen eta hauek islatzen dituzten lan ezberdinen bilduma osatu zuen Cultural Art 1307 erakunde artistikoak. Aipatu behar da honakoak bi egoi-tza dituela, bata Napolin eta bestea Kalifornian. Honek adierazten du artistaren hi-tzetan erakusketak izan duen maila eta oihartzuna artearen sektorearen baitan.
“Orokorrean, oso aberasgarria izan da esperientzia, herrialde ezberdinetako artistekin harremana izatea beti da ona. Milan, Paris, Pragakoak...“. Horretaz gain, “Italia oso leku aproposa da artearen munduari dagokionean. Zaletasun asko dago eta komisario eta arte galeria ugari. Giro horretan norberaren lana ezagutzera emateak ate asko zabaldu ditzake. Jendea ezagutu eta harreman profesional berriak sortzeko aukera dago”, aipatu du Soberonek.
Laguntza beharra
Hala ere, artistentzat ez da erraza izaten nazioarteko erakusketetan parte hartzea eta kasu honetan Etxepare Institutuaren laguntza izan du Soberonek bere lana bertara eramateko. Zehazki, beka bat eskuratuta eraman du bere lana Italiara. 
Horrelako gehiago egon beharko liratekeela aipatzen du: “Artea sustatzeko ekimenak beharrezkoak dira, artista batentzat oso zaila da nazioartean mugitzea baliabiderik gabe”.
Argazkiak beste mota bateko elementu artistikoekin uztartu ditu eta hauen bidez lasarteoriarraren lanen sortze prozesua ulertu ahal izan dute bertaratutakoek. Naturako elementu ezberdinak erabili ohi ditu Soberonek bere lanetan. Besteak beste, haziak. Elementu hauekin, berriak sortzen ditu gogoetarako objektu bilakatuz. 
Aldi berean, artistak materiaren egoera aldaketak jaso ditu bere argazkietan 'Cryopreserved Forms' lanean erakutsi bezala. Ihin-tza, tanta baten mugimendua... Artistak lan honekin klonazioa, manipulazioa...landu nahi izan ditu gizakiak egun naturarekin pentsatzeko duen gaitasun falta azpimarratzeko helburuarekin. 
Martxoan Donostian
Napoliko erakusketaren ostean, hurrengoaren prestaketetan ari da Pilar Soberon.
“Paisaiaren murmurioa” izeneko erakusketa zabalduko dute martxoaren 12an Donostiako Koldo Mitxelena kultur gunean eta bertan izango dira beste artista batzuen lanekin batera, herrikoarenak ere.               
Herritarrek beraz, aukera izango dute Donostiara gerturatu eta artistaren lanak bertatik bertara ezagutzeko.














Phylococccus (2014), seeds of clematide and colour photograph on aluminium and metacrylate. Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples.







Pilar Soberón muestra Phylococcus installation en Nápoles, en la exposición colectiva internacional Meta-illusioni de la Institución Cultural Art1307. 
En el contexto de la muestra fotográfica Meta-illusini, del acto fotográfico a la percepción de la realidad, Pilar Soberón ( San Sebastián 1971) exhibe Phylococcus installation insertando entre obras fotográficas una efímera y poética instalación de semillas interactuando con el propio lenguaje fotográfico y el resto de los artistas internacionales Philippe Soussan ( París  1968), Michal Macku (1963 Bruntal), Chynthia Greig ( Detroit 1959) y Nicola  Evangelisti ( Bologna 1972) que completan la visión que Chynthia Penna directora de la Institución cultural Art 1307, situadada en Nápoles y California, y Emiliano D'Angelo co-curator de la exposición, nos ofrecen en la villa borbona del 700, Villa Di Donato, en Nápoles en torno a lo fotogáfico y el acto de creación.

Acercarse a conocer y comprender los planteamientos artísticos, reflexiones y cuestiones que abarca Pilar Soberón en Phylococcus Installation supone visualizar y entender su proceso creativo y cognitivo, pues emerge desde diferentes disciplinas y lenguajes, de ahí que en la muestra se alternen fotografía e instalación, creando nuevos medios de comunicación a la vez que agita nuestra conciencia.

En cada uno de estos artistas con trayectoria internacional desde la Bienal de Venecia al Museum of Fine Arts Boston, el proceso creativo es crucial pues todos investigan lo fotográfico de una manera abierta e interdisciplinar, experimentando y fusionando técnicas y lenguajes. Nicola Evangelisti investiga la luz proyectada en rayos de energía creando esculturas e instalaciones site specific, Michal Macků, ha inventado un proceso mediante el cual combina la emulsión de gelatina y el collage sobre vidrio, Chynthia Greig interviene sobre la fotografía con dibujo y explosiones investigando desde la percepción y la experiencia, Pilar Soberón es una gran recolectora de elementos naturales orgánicos y efímeros, con los que juega y transforma de manera demiúrgica en objetos de reflexión y plasmación artística y Philippe Soussan descompone la imagen sobre pliegos pictóricos que recrean el objeto real escondido bajo su propia representación pictórica.








Cryoperserved forms V (2014)










Cryoperserved forms IV (2014)







La idea de caminar y recolectar como acción es parte del proceso de trabajo de Pilar Soberón, recolectar forma parte de la memoria genética latente en el individuo, pues recolectamos en la naturaleza desde nuestros orígenes, y la acción de caminar se desarrolla como pensamiento y acción  en artistas que unen la experiencia y la vida como Joseph Beuys, Bruce Nauman o Robert Smithson e interactúan con aquello que encuentran en su caminar. Así los elementos naturales recolectados, semillas, polen, plantas...  se convierten de un modo sostenible en site-specific obras creadas para un espacio dado como es la instalación Phylococcus  en algo fluido y etéreo que nos transporta a Natura, como un leve tránsito de lo orgánico a lo inorgánico, de lo vivo a lo muerto, como una levedad del ser que fluye y se disuelve, que se nos escapa y trasciende hacia lo infinito. 

Del mismo modo la artista recoge cambios de estado que documenta fotográficamente sobre ella misma, como son Cryopreserved Forms (2014), vidas criogenizadas. A partir de la observación de procesos, el deshielo, el rocío, las partículas vegetales que atraen la humedad, el vibrar de una gota tras la noche abre el universo hídrico de Gastón Bachelard, pues basta una gota para soñar en profundidad. En muchas de sus obras la creación a partir de lo pequeño, lo cotidiano, nos traslada e impulsa hasta la química cósmica del universo, a partir de una reconexión con la naturaleza, con el mito del paraíso perdido de Mircea Eliade.

Arte y naturaleza en su mano se cruzan y entremezclan de manera sutil, ingenua, poética y reflexiva para crear mundos sensoriales de gran fuerza y atractivo, comenta Edorta Kortadi. En sus fotografías, como Aracno-worlds (2012), la sustancia líquida presente en diversos estados  se  mezcla íntimamente con la sustancia nocturna, y nos interroga sobre la vida como en la serie fotográfica Cryopreserved Forms, vidas criogenizadas.

Bajo una apariencia cristalina nos plantea una reflexión para un mejor conocimiento de nuestras contradicciones en torno a los progresos científicos: clonación, manipulación, investigación animal, evidenciando nuestra incapacidad para pensar con la naturaleza, para pensar Natura como vida consciente e inteligente. "Sus propuestas traen ráfagas de aire fresco en nuestro entorno artístico". Edorta Kortadi, `Dissolutio´ los bodegones efímeros de Pilar Soberón.







Dryer of seeds clematide.






META-ILLUSIONI 

il giardino dell'impossibile di Cynthia Penna

 

“la storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione”  (Julian Barnes : Il senso di una fine)
oppure, per dirla con Magritte:   “Ceci n’est pas une pipe”

Introdurre o accedere alla Fotografia cd. “concettuale” non appare facile perché il mezzo fotografico è stato considerato fin dalle sue origini il mezzo per eccellenza atto a riprodurre la realtà.
Ricordiamo che è stata proprio l’introduzione della fotografia a mettere in crisi il mezzo pittorico e tutta la ritrattistica del 19° secolo in quanto era in grado di riprodurre la realtà “vera” e non quella comunque elaborata dalla mano e dalla mente dell’artista. Se ci addentriamo nella semantica della nostra lingua ci accorgiamo che il termine “obiettivo” contiene molteplici significati: “obiettivo” è un oggetto che serve in fotografia cioè un oggetto che si “focalizza” su qualcosa e serve a definirla, a connotarla e a riprodurla;   “obiettivo” significa noto , accettato dalla comunità come un qualcosa di dato per reale; “obiettivo” infine è anche lo scopo finale e la metà di una attività , o di un pensiero. Quindi la medesima parola viene usata per definire situazioni o oggetti reali, uno spaccato di realtà, e nel contempo per identificare l’oggetto che in fotografia blocca in una frazione di secondo un frammento di vita, un frammento di realtà e, come suol dirsi, lo immortala, lo conduce cioè in una dimensione a-temporale.

I grandi fotografi del ‘900 da Robert Doisneau, a Cartier-Bresson, al fotogiornalismo di guerra e di reportage di  Steve Mc Curry, passando poi per la fotografia  di esplorazione del corpo umano di Helmut Newton e Robert Mapplethorpe, raffiguravano la realtà trasponendola su carta fotografica, immortalando un momento della realtà, del sentimento umano  o del corpo umano fattosi oggetto, cioè oggettivizzato in una azione.







Dryer of seeds clematide.







La svolta del terzo Millennio ha coinciso con una svolta epocale nell’ambito della fotografia d’arte: il superamento della realtà e l’introduzione del surreale, dell’immaginario, dell’illusorio, del fantastico, e dell’invenzione in quello che da sempre era considerato l’unico mezzo atto a riprodurre meramente la realtà.

Dopo circa due secoli di fotografia del “reale”, assistiamo oggi alla creazione di una fotografia dell’irreale o meta-fotografia.
Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio, anzi per comunicare la propria personale immagine del reale che non è più costretta dalla realtà circostante, ma spazia nella propria immaginazione.
 
L’artista fotografo elabora la realtà,la stravolge, la distorce, entra nel mondo del falso in contrapposizione al vero per aderire al sogno,e toccare le corde dell’emozione.
Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico; l’elemento dominante della scena riprodotta. Non è più la realtà a determinare lo scatto, bensì è l’idea che deve prendere forma e che conduce lo scatto fotografico così come l’idea prende forma e conduce il pennello del pittore. Non interessa più l’oggetto fotografato, ma il cosa c’è dietro quella apparente rappresentazione di realtà che di reale in fin dei conti non ha più nulla.






Phylococccus (2014), detail, seeds of clematide, Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples. photo Paola Tufo.







Si opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi” che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova di una realtà diversa ; una fotografia “percettiva”, una fotografia che offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon).
Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni,(N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della  percezione degli stessi.
 
Lo spettatore è indotto in errore o in dubbio su cosa stia realmente guardando: la realtà o l’irrealtà? trattasi di un panorama, di un orizzonte?ma sarà un orizzonte reale o ideale?  l’occhio rimane frastornato e la mente comincia a viaggiare nell’irreale: l’occhio  pone il dubbio sulla visione e la mente reagisce rifugiandosi nello spazio emotivo.
 
Tutto si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno stravolgimento della codificazione della percezione nel senso di una incertezza sulla reale identità di ciò che si sta guardando. Ma d’altronde non è pur vero che, come osserva J.Barnes: “quel che si finisce per ricordare non sempre corrisponde a ciò di cui siamo stati testimoni” e che viviamo di “ricordi approssimati che il tempo ha deformato in certezze“ ?
 
La domanda sorge impellente: e se guardassi alle cose da un’altra prospettiva? se, superate icone e simboli, mi addentrassi in un universo nuovo?se guardassi ad una realtà frammentata, frazionata, distorta,e manipolata ? una realtà “diversa” da quella a cui sono abituato e che in certo senso “mi aspetto” di vedere? potrei scoprire altre e nuove verità? nuove sensazioni e nuove percezioni di me stesso?
 
Un’ipotesi, un tentativo di coinvolgimento a cui questi artisti mirano; un’avventura estetica e concettuale che parte dalla visione e finisce per toccare corde di pura emozione, di estrema fascinazione.“se da un lato non posso garantire sulla verità dei fatti, dall’altra posso attenermi alla verità delle impressioni che i fatti hanno prodotto” (J. Barnes)

Bibliografia: Julian Barnes: Il senso di una fine (Einaudi Ed.)

 








“La storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione” (Julian Barnes, Il senso di una fine), oppure per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”.

Cinque artisti da 5 nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea che ha per minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave surrealista e metafisica.

Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio. Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico.

“Si opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi” che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova di una realtà diversa; una fotografia “percettiva”, che offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon) - spiega Cynthia Penna, curatrice della mostra”.

Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni (N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.

Tutto si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno stravolgimento della codificazione della percezione. (28.11.14)