La naturaleza para mí es un lugar de observación, donde investigo los fenómenos naturales que abordo en mi obra, y donde exploro lo inconsciente, un territorio que me atrae ya que en él se encuentran las representaciones simbólicas, lo individual se diluye en la esencia y en el todo colectivo. Natura supone un exponente de las dos vías que me interesan, una reflexión en torno al ser humano y también un lugar donde mis procesos artísticos investigan la relación con el espectador.
Centro Kultural Koldo Mitxelena Donostia-San Sebastián 12 marzo - 30 mayo 2015
"Nature is for me a place of observation, where I investigate the
natural phenomena I address in my work, where I explore the unconscious, a
matter which draws my attention due to the symbolic representations that can be
found there. What is individual is diluted in the essence and the collective
whole.
In my work, which is focused on different techniques and languages, I
avoid the final result to find first and foremost the participation of the
spectator as the most important element. Therefore, photographs, facilities,
video creations, drawings and sounds are created not only to activate and cause
reactions in the human being, but also to explore the limits of the exhibition
space as a test tube of new ways of communication through objects and pieces I
produce.
For me, nature represents an example of the two tracks I am interested
in, a reflection around the human being and also a place where my artistic
processes investigate the relationship with the spectator"
"La naturaleza para mí es un lugar de
observación, donde investigo los fenómenos naturales que abordo en mi obra,
cómo donde exploro lo inconsciente, un territorio que me atrae ya que en
él se encuentran las representaciones simbólicas, lo individual se diluye
en la esencia y en el todo colectivo.
Para mí Natura supone un
exponente de las dos vías que me interesan, una reflexión en torno al ser
humano y también un lugar donde mis procesos artísticos investigan la relación
con el espectador.
Por ejemplo, el bosque es un reducto donde florece abundante la vida natural,
no dominada ni cultivada, simboliza lo femenino y a su vez es un espacio temido
y habitado por dioses y por monstruos. El miedo a caer en la no-conciencia, a
perderse en el bosque, se manifiesta claramente en los cuentos
infantiles, de ahí que represente el aspecto peligroso del inconsciente, según
Jung, su naturaleza devoradora y ocultante de la razón."
Pilar Soberón, Sima vertical, (2015), 120 x 80cm, colour photograph, metacrylate and aluminium.
Sima horizontal, (2015), 80 x 120 cm.
Sima, (2015), 150 x100 cm.
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Geo (2015), 80 x 120 cm. colour photograph, metacrylate and aluminium.
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Entropía Pilar Soberón Ésta muestra recoge diferentes campos de investigación en proceso que se comunican con Natura en sus dos vertientes: locus amoenus, como naturaleza romántica y salvaje, de donde se nutre el mito del paraíso perdido de Mircea Eliade, y la naturaleza como locus horrendus, a veces devoradora, donde lo sombrío, lo inquietante y lo recóndito confluyen. En Sima (2015)
se hace latente lo subterráneo a través de la caída espectral, el
concepto de agujero se mezcla con el de la boca, como el órgano
devorador de una naturaleza destructora. Boca y sima suponen el punto de
unión de dos mundos, interior y exterior, vivificando múltiples
conexiones con lo subterráneo, el mundo oculto, de nuevo, la no
conciencia. En las tres obras, Sima, Sima vertical y Sima horizontal, todas del 2015, lo abismal atrae bellamente. Estas obras ofrecen una tensión con Geo
(2015), obra con una mirada más gélida y metálica, que nos traslada a
un lugar lejano, no explorado, ni civilizado, una vez más, la naturaleza
desafiante se muestra enigmática y desconcertante, cercana a la
abstracción.
La observación de los fenómenos naturales
activa los procesos de creación, así mientras la nieve describe el
espacio negativo en la naturaleza que se recoge en las obras de Sima, la cera de modelado ha capturado el espacio negativo del cuerpo generando Atximurrak (2009-2015), y trasciende hacia el dibujo con la obra Isotropía
( 2015) realizada en tinta de rotulador plateada, que recoge el perfil
de la Peña Valcayo en Los Picos de Europa, dibujando la nieve sobre la
montaña invernal, es decir el espacio negativo de la roca, en un paraje
de melancolía que empatiza con Los cazadores en la nieve (1565) de Brueghel el viejo, que documenta la edad de hielo de aquella época.
En toda la muestra late esta idea de melancolía, innata al invierno, a la muerte y a la regeneración de la vida.
“Por
ello para mí Natura supone estás dos vías, una reflexión en torno al
ser humano y también un lugar donde mis procesos artísticos cobran
vida.” Pilar Soberón
Bosque isotrópico, (2015), 1,50 x 3 m., montaje fotográfico, Fotografía Iñigo Royo
Bosque isotrópico, (2015), detalle, 1,50 x 3 m., montaje fotográfico
Atximurrak (2009-15) y Bosque Isotrópico (2015), Fotografía Iñigo Royo.
Geo ( 2015) y Atximurrak (2009-15), Fotografía Iñigo Royo
Isotropía (2015), dibujo a rotulador y aluminio fundido
Isotropía (2015), 5 x 3m. dibujo a rotulador y aluminio fundido.
Paisaiaren Murmurioa / Cuando el paisaje habla Mari Jose Aranzasti
El Romanticismo irrumpe con fuerza cambiando por completo, entre otras
cuestiones, el concepto de paisaje. Emoción e intuición frente a la
razón neoclásica; naturaleza desbordante, de caos, de ruinas y de
desastres frente al orden, la contención y la racionalidad del
Neoclasicismo.
En esta exposición Paisaiaren Murmurioa/ Cuando el paisaje habla se
siente que el paso del tiempo no se percibe hasta que éste ha
transcurrido. El abanico de múltiples miradas hacia el paisaje, a la vez
que las reflexiones que de ellas se derivan se exponen a través de las
diferentes propuestas y procesos de los siguientes artistas
seleccionados.
El acuñado término literario de locus amoenus, como lugar
idílico y ameno sugiere la existencia de una Naturaleza edénica, de paz y
de sosiego: la de un paraíso. Pero también existe el locus horrendus: lo sombrío, el enigma y misterio inquietante del bosque, lo recóndito y desconocido, lo subterráneo y abismal, lounderground, el límite ilimitado, los paisajes silenciosos, los desastres etc.
En esta última década hay que subrayar que la tecnología digital ha
cambiado de forma singular nuestras vidas y el arte también se ve
inmerso en esta nueva modalidad en la que el orden y lo racional lo
implanta la tecnociencia y lo global.
La incertidumbre está presente en el paisaje de la artista Iranzu Antona
(Pamplona, 1979) y esto lleva al espectador a reflexionar. Por una
parte, produce cierta inquietud y por otra, se adentra en el mundo de
lo recóndito, de los lugares no accesibles, enmarcados en el límite. Desde
el tratamiento del análisis, en el que prima la esencia, aparece lo
salvaje, la naturaleza tal cual y con ella el esplendor de su fuerza.
La perfecta unión entre poesía y paisaje, dentro de la escultura poética, alcanza dosis de gran lirismo en las obras de María Cueto,
(Avilés, 1960) artista que construye unos paisajes, verdaderos poemas
plásticos, compuestos de pequeños fragmentos del mundo. Estas obras
dibujan en el aire grafías en suspensión y sutiles movimientos, inmersos
en una naturaleza de calma y sosiego, de silencio y paz, con un aura
oriental y gran carga a su vez, de melancolía.
Un universo en constante proceso de experimentación que logra un
paisaje creativo muy personal, compuesto también por fragmentos de la
propia naturaleza, con referencias del mundo vegetal, de líquenes, de
musgos, de lomicro, a la búsqueda incesante de nuevas cartografías y mapas que se convierten en verdaderas sinfonías musicales es el que muestra Arantxa Guereño
(Donostia, 1955). La artista sumerge al espectador en una naturaleza
abstracta, reiterativa, también muy poética, de paraísos edénicos, de
follajes boscosos, coloristas, de juegos y de formas muy
estructuradas, tanto orgánicas como geométricas.
El artista multidisciplinar Álvaro Matxinbarrena (Donostia,
1958) presenta con su vídeo la incorporación al paisaje de su propia
experiencia vital, sus reflexiones, sus propias
interferencias-referencias, las relaciones con determinados objetos
que conforman la inclusión de un personal bodegón o naturaleza muerta.
Un viaje interior y autobiográfico, en el que hay cabida para alguna de
las pasiones personales del artista, donde también el paisaje se
convierte en paraíso inquietante y en el que juega un papel importante
la singular música compuesta por Ibon Errazkin.
Hay una constante que recorre muchas de las obras de estos artistas
presentes en esta exposición. Por un lado el tema de la desaparición,
del cambio continuo, porque es imposible que el tiempo se detenga, por
lo que la evocación de la muerte, siempre al acecho subyace agazapada.
Ese paso del tiempo se vislumbra también en esas fotografías heladas de la artista Pilar Soberón
(Lasarte, 1971), tanto en el sentido intrínseco, de las gotas de hielo
que contienen, como en el figurado, congeladas en el tiempo, obras
que nos trasladan al concepto de abismo, a la sima, al trou, a la simbología de la boca y a la de una naturaleza, a veces devoradora y con un gran símbolo latente de lo femenino.
Donde no hay ruidos, ni sonidos, pero sí ritmo es en la obra generativa, construida a sí misma, programada dentro del software art
y que, configurada al modo de un algoritmo, proyecta en el techo un
paisaje geométrico, de múltiples variables, en un devenir constante,
infinito, realizado por el artista Jaime de los Ríos (Donostia, 1982), fundador de Arte y Ciencia, Artklab con el cual nos adentramos en visiones tecnológicas más recientes.
Las fotografías de Iñigo Royo (Donostia,
1962) están ligadas como gran parte de su trayectoria artística a la
seriación, reiteración y a determinadas referencias literarias. Su obra
está plagada de complejas paradojas, al intentar plasmar lo
irrepresentable como el paisaje desértico del vídeo, en el que se
insiste más en lo auditivo que en lo visual. La grandilocuencia de
determinadas palabras, gracias al buscador google earth se convierten repentinamente en lugares, en sitios concretos.
Ciertas evocaciones románticas de las ruinas, de la invasión implacable
de la naturaleza enmarañada que se adentra como maleza invasora
aparecen en las fotografías del artista Unai San Martín
(Eibar, 1964). La nostalgia de un paraíso quizás ya perdido, en unas
obras con claros efectos pictorialistas y abstractos, como la la
superficie del mar, la bruma, sin límites visuales hacen aflorar una
gran belleza profundamente melancólica.
Una plataforma colectiva creada en 2005, a partir de un grupo de artistas configura Soinumapa.net,
el mapa sonoro del País Vasco que ha compartido múltiples sonidos
sonoros a través de una página-archivo que todavía está vigente y sigue
en construcción. Hasta la fecha 643 entradas y abierta la participación
al que lo desee para añadir nuevas grabaciones.
Los profundos y oscuros abismos, las confluencias subterráneas y sus corrientes, lo dedentro y lo onírico conforman otro viaje interior para emprender. La artista Gentz del Valle (Lekeitio)
a través de la magia y del poder evocador del dibujo nos dirige hacia
un mundo en el que la naturaleza siempre aparece cambiante y velada. Una
naturaleza interior compleja, enigmática, muy vinculada también por
otra parte con la mitologia y la femineidad.
Meta-illusionsArt1307 Curator: Emiliano D'Angelo and Cynthia Penna
Phylococcus (2014), seeds of clematide and colour photograph on aluminium and metacrylate. 5 x 4 m. aprox. Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples.
“History is
that certainty produced at the point where the imperfections of
memory meet the inadequacies of documentation.” (Julian Barnes: The Sense
of an Ending)
Or, to quote Magritte: “This is not a pipe”
To introduce to or explore the world of so-called “conceptual” photography
appears anything but easy, because the photographic medium has ever since its
early years been considered a means suited, par excellence, to reproduce
reality.
We remember that it was precisely the introduction of photography which caused
a crisis for painting as a medium and for all portraiture art of the 19th
century, as it was capable of reproducing reality as it “really” was and not as
it was, in some way or other, elaborated by the hand and mind of the artist. If
we examine the semantics of our language we realize that the term “objective”
has many meanings: “objective” is an object used in photography, or in other
words an object which is “focused” on something and serves to define it,
characterize it and reproduce it; “objective” means known, recognized by
society as something accepted to be real; and finally “objective” is also the end
purpose and aim of an activity or thought. The very same word is therefore used
to define real situations or objects, a cross-section of reality, and at the
same time to identify the object which, in photography, in a fraction of a
second freezes a fragment of life and reality and, as we say, immortalizes is
or gives it an atemporal dimension.
The great photographers of the 20th century from Robert Doisneau to
Cartier-Bresson, to Steve Mc Curry’s images and reportages of war, to the
photographic exploration of the human body of Helmut Newton and Robert
Mapplethorpe, showed reality by transposing it to photographic paper,
immortalizing an instant of reality, a human sentiment or the human body as
object, that is to say objectified in an action.
After about two centuries of photography of “reality”, we are today witnessing
the creation of a photography which bears witness to unreality, or
meta-photography.
The surreal, the deformed side of reality, the invention of a scenario which
does not exist or exists in different forms, comes into play to render a
message subjective, or perhaps we should rather say to communicate a personal
image of reality that is no longer limited to the surrounding reality but may
range
freely within the bounds of the author’s imagination.
The artist-photographer elaborates reality, overturning and distorting it,
entering the world of falsehood to oppose truth and follow a dream, and touches
the chords of emotion.
It is a matter of a neo-surrealist meta-photography in which the “concept”, the
idea, become the only basis and purpose of the photographic shot and the
dominant element of the reproduced scene. It is no longer reality which
determines when the image is to be taken, but the idea that has to take form
and that shows the photographer when to activate the shutter, just as it
determine the form and guides the brush in the painter’s hand. The essential
element is no longer the photographed object, but what is to be found behind
the apparent representation of reality which, in the final analysis, has
nothing real about it any longer.
It is a matter of working through “visual hybrids” which entail transformation
(C. Greig), distortion and duplication of reality (P. Soussan, M.Machu), to
adopt a new perception of a different reality; or a “perceptive photography, a
photography which offers a new and hitherto unexplored vision of the things of
the world” (P.Soberon).
It may be a reflection on space and the way it changes, (N.Evangelisti), but
also on the way time, objects or the way we perceive them change.
The spectator feels deceived or unsure about what he is really looking at:
reality or unreality? Is it a matter of a view, of a horizon? But is it a real
horizon or a conceptual one? The eye is bewildered, and the mind begins to roam
in unreality: the eye casts doubt on vision, and the mind reacts by seeking
refuge in an emotional space.
Everything is permeated by subtle ambiguities and transmutations; vision plays
on the dichotomy between identity and memory: a research aimed at identifying
an objective, known reality and a continuous loss of this identification; the
loss of objective references eventually overturns the codification of
perception in the sense of an uncertainty about the actual identity of what one
is gazing at. But on the other hand, is it not true, as J. Barnes observes,
that “what you end up remembering isn’t always the same as what you have
witnessed” and that we live on “approximate memories which time has deformed
into certainties”? The question begs an answer: and what if we were to look at
things from another angle? What if I were to go beyond icons and symbols, to
explore a new universe? What if I were to look at a fragmented, fractioned,
distorted and manipulated reality? A reality which is “different” from the one
I am used to, and which I in a certain sense “expect” to see? May I discover
new and different truths? New sensations and new perceptions of myself?
This is one hypothesis, an attempt to involve the spectator which these artists
pursue; an aesthetic and conceptual adventure which begins with vision and ends
up with touching chords of pure emotion, of extreme fascination.
“If I can’t be sure of the actual events any more, I can at least be true to
the impression those facts left (J. Barnes).
Bibliography: Julian Barnes: The Sense of an Ending (Vintage Books, 2011)
-->
Prefaceby Cynthia Penna
Napoli.
“La storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni
della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione” (Julian Barnes,
Il senso di una fine), oppure per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”.
Cinque artisti da 5 nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea
che ha per minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave
surrealista e metafisica.
Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario
inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per
soggettivizzare un messaggio. Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”,
l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico.
“Si opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi” che
comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione della realtà
(P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova di una realtà
diversa; una fotografia “percettiva”, che offre una nuova e inesplorata visione
delle cose del mondo (P.Soberon) - spiega Cynthia Penna, curatrice della mostra”.
Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni (N.Evangelisti), ma anche
sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.
Tutto si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla
dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una realtà
oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa identificazione; la perdita
di riferimenti oggettivi induce uno stravolgimento della codificazione della
percezione. (28.11.14)
Phylococccus (2014), detail, seeds of clematide, Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples.
Pilar Soberónby Emiliano D'Angelo
With
her photographs and installations, all centred on her fascination with
the natural sciences, the interaction between elements, vegetal and
animal microbiology, Pilar Soberon explores the heart of a sensibility
that is ancient yet once again topical, concerning the most
authoritative of epistemological models: the age of Newtonian mechanics
with its vision of nature as inert matter without any intelligence,
purpose or volitional energy having come to an end, the essential
nucleus of a vision which predated Socrates and the Renaissance seems to
have come forcefully to the fore, even if dissimulated behind an aura
of modern holistic and eco-syncretic concepts. It is a matter of an
approach to science characterized by a sensual and Dionysian flavour,
which is based on an inclusive and overwhelming use of analogies rather
than on pigeonholing and distinctive antinomies. Also the Basque
artist’s curiosity with homothetic structures, whose fractal geometries
represents the most fascinating and recurrent archetype, testifies to
this. Analogously
– and this represents a departure from the path chosen by photographers
of the “post-human” generation as Paul McCarthy and Aziz + Cucher -,
Soberon is not interested in the human element, not in order to herald a
presumed psychic and biologic apocalypse by staring into a glum and
ultimate future but to retrace her common ascendancy with flowers,
insects, leaves and the very molecules of water, an element essential to
life which always plays an important role in her images. This
attraction for the liquid matrix of life and organic matter is an
essential element in an aesthetic (assertive and certainly not negative)
based on crossing borders and hybridizing of a clearly postmodern
character.
Aracno-worlds I, (2012), colour photograph on aluminium and metacrylate, 70 x 100 cm.
In
her “Aracno-worlds” and “Nocturnos” series we witness the metamorphic
adventures of solids that turn into liquid or gaseous substances, plants
that turn into spiders, simple water drops which emulate the geometric
and precious shapes of amethysts or amber pearls, semi-transparent
valves set on the epidermis of enigmatic and hybrid molluscs. In her
“Cryopreserved forms” series the refined dialectic between opposites as
hot/cold, liquid/solid, opaque/transparent seem to combine an
exquisitely contemporary sensibility with echoes of noble and antique
philosophic systems as those of Tales, Empedocles, and Bernardino
Telesio. Sidestepping
the temptation to pursue results that become overly lyric, surreal or
that smack of new age, the artist pursues a line of iconographic rigour
that never loses sight of the purely scientific basis of her speculative
interest. This
distinguishes her research, also in terms of quality, from the work of
countless other photographers who have wrestled with the representation
of natural micro-phenomena without a clear theoretic and cultural
consciousness.
To cross the border between cognitive approach and expressive attitude, between science and emotion, between sensuality and avant-garde (that old 20th-century taboo): this is no longer the heretic ambition of a handful of “overly eclectic” artists, relegated to the margins of the great international movements; it has become one of the most prolific and interesting developments which seem to characterize the new millennium. Turning to the science of the future, Pilar Soberon invites it to dialogue with art and with the psyche, to itself turn into a form of art and thus redeem itself from the mortifying, alienating awareness of having been degraded to the role of handmaiden of applied technologies.
Cryoperserved forms I (2014),
colour photograph on aluminium and metacrylate, 40 x 60 cm.
Cryoperserved forms VII (2014)
Soberonen lanak Italian ikusgai
Txintxarri 2015/02/20
Pilar Soberon
herriko artistak Napolin ikusgai jarri du “Phylococcus installation”
lana. Honakoa Art 1307 kultur erakundeak antolatutako Meta-illusioni
erakusketaren baitako lana izan da. Erakusketan, nazioarteko artista
ezberdinek parte hartu dute. Esperientzia aberasgarria izan dela
aipatzen du Soberonek eta dagoeneko Koldo Mitxelenan martxoaren 12an
zabalduko den erakusketa prestatzen ari da.
Pilar Soberon herriko
artistaren lanak Napolin ikusi ahal izan dira azaroaren amaieran hasi
eta urtarrilaren amaiera arte zabalik izan den 'Meta-Illusioni' izeneko
erakusketan.
Honakoa, Napoliko Villa Di Donato jauregi historikoan burutu zen,
garai bateko Borboitarren etxean. Egun, artearekin lotura duten ekimenak
egiteko uzten du jabeak. Soberonen hitzetan, “giro berezia“ sortzen
zuen lekuak.
Pilar Soberon Lasarte-Oriako artistaren lanekin batera, Philip
Soussan, Michal Macku, Cynthia Greig eta Nicola Evangelistirenak izan
dira. Erakusketaren ildo nagusia 'argazkilaritzak sortzen dituen
ilusioa' zen eta hauek islatzen dituzten lan ezberdinen bilduma osatu
zuen Cultural Art 1307 erakunde artistikoak. Aipatu behar da honakoak bi
egoi-tza dituela, bata Napolin eta bestea Kalifornian. Honek adierazten
du artistaren hi-tzetan erakusketak izan duen maila eta oihartzuna
artearen sektorearen baitan.
“Orokorrean, oso aberasgarria izan da esperientzia, herrialde
ezberdinetako artistekin harremana izatea beti da ona. Milan, Paris,
Pragakoak...“. Horretaz gain, “Italia oso leku aproposa da artearen
munduari dagokionean. Zaletasun asko dago eta komisario eta arte galeria
ugari. Giro horretan norberaren lana ezagutzera emateak ate asko
zabaldu ditzake. Jendea ezagutu eta harreman profesional berriak
sortzeko aukera dago”, aipatu du Soberonek.
Laguntza beharra
Hala ere, artistentzat ez da erraza izaten nazioarteko erakusketetan
parte hartzea eta kasu honetan Etxepare Institutuaren laguntza izan du
Soberonek bere lana bertara eramateko. Zehazki, beka bat eskuratuta
eraman du bere lana Italiara.
Horrelako gehiago egon beharko liratekeela aipatzen du: “Artea
sustatzeko ekimenak beharrezkoak dira, artista batentzat oso zaila da
nazioartean mugitzea baliabiderik gabe”.
Argazkiak beste mota bateko elementu artistikoekin uztartu ditu eta
hauen bidez lasarteoriarraren lanen sortze prozesua ulertu ahal izan
dute bertaratutakoek. Naturako elementu ezberdinak erabili ohi ditu
Soberonek bere lanetan. Besteak beste, haziak. Elementu hauekin, berriak
sortzen ditu gogoetarako objektu bilakatuz.
Aldi berean, artistak materiaren egoera aldaketak jaso ditu bere
argazkietan 'Cryopreserved Forms' lanean erakutsi bezala. Ihin-tza,
tanta baten mugimendua... Artistak lan honekin klonazioa,
manipulazioa...landu nahi izan ditu gizakiak egun naturarekin
pentsatzeko duen gaitasun falta azpimarratzeko helburuarekin.
Martxoan Donostian
Napoliko erakusketaren ostean, hurrengoaren prestaketetan ari da Pilar Soberon.
“Paisaiaren murmurioa” izeneko erakusketa zabalduko dute martxoaren 12an
Donostiako Koldo Mitxelena kultur gunean eta bertan izango dira beste
artista batzuen lanekin batera, herrikoarenak ere.
Herritarrek beraz, aukera izango dute Donostiara gerturatu eta artistaren lanak bertatik bertara ezagutzeko.
Phylococccus (2014), seeds of clematide and colour photograph on aluminium and metacrylate. Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples.
Pilar Soberón muestra Phylococcus installation
en Nápoles, en la exposición colectiva internacional Meta-illusioni de la Institución
Cultural Art1307.
En el contexto de la muestra fotográfica Meta-illusini, del acto fotográfico a la percepción de la realidad, Pilar Soberón ( San Sebastián 1971) exhibe Phylococcus installation insertando entre obras fotográficas una efímera y poética instalación de semillas interactuando con el propio lenguaje fotográfico y el resto de los artistas internacionales Philippe Soussan ( París 1968), Michal Macku (1963 Bruntal), Chynthia Greig ( Detroit 1959) y Nicola Evangelisti ( Bologna 1972) que completan la visión que Chynthia Penna directora de la Institución cultural Art 1307, situadada en Nápoles y California, y Emiliano D'Angelo co-curator de la exposición, nos ofrecen en la villa borbona del 700, Villa Di Donato, en Nápoles en torno a lo fotogáfico y el acto de creación. Acercarse a conocer
y comprender los planteamientos artísticos, reflexiones y cuestiones que abarca
Pilar Soberón en Phylococcus Installation supone visualizar y entender
su proceso creativo y cognitivo, pues emerge desde diferentes disciplinas y
lenguajes, de ahí que en la muestra se alternen fotografía e instalación,
creando nuevos medios de comunicación a la vez que agita
nuestra conciencia.
En cada uno de estos
artistas con trayectoria internacional desde la Bienal de Venecia al Museum of Fine Arts Boston, el proceso creativo es crucial pues todos
investigan lo fotográfico de una manera abierta e interdisciplinar, experimentando
y fusionando técnicas y lenguajes. Nicola Evangelisti investiga la luz
proyectada en rayos de energía creando esculturas e instalaciones site specific, Michal Macků, ha
inventado un proceso mediante el cual combina la emulsión de gelatina y el collage
sobre vidrio, Chynthia Greig interviene sobre la fotografía con dibujo y
explosiones investigando desde la percepción y la experiencia, Pilar Soberón es
una gran recolectora de elementos naturales orgánicos y efímeros, con los que
juega y transforma de manera demiúrgica en objetos de reflexión y plasmación
artística y Philippe Soussan descompone la imagen sobre pliegos pictóricos que
recrean el objeto real escondido bajo su propia representación pictórica.
Cryoperserved forms V (2014)
Cryoperserved forms IV (2014)
La
idea de caminar y recolectar como acción es parte del proceso de trabajo de
Pilar Soberón, recolectar forma parte de la memoria genética latente en el
individuo, pues recolectamos en la naturaleza desde nuestros orígenes, y la
acción de caminar se desarrolla como pensamiento y acciónen artistas que unen la experiencia y
la vida como Joseph Beuys, Bruce Nauman o Robert Smithson e interactúan con
aquello que encuentran en su caminar. Así los elementos naturales recolectados,
semillas, polen, plantas... se
convierten de un modo sostenible en site-specific
obras creadas para un espacio dado como es la instalación Phylococcusen algo
fluido y etéreo que nos transporta a Natura, como un leve tránsito de lo
orgánico a lo inorgánico, de lo vivo a lo muerto, como una levedad del ser que
fluye y se disuelve, que se nos escapa y trasciende hacia lo infinito.
Del mismo modo la artista recoge cambios
de estado que documenta fotográficamente sobre ella misma, como son Cryopreserved Forms(2014), vidas
criogenizadas. A partir de la observación de procesos, el
deshielo, el rocío, las partículas vegetales que atraen la humedad, el vibrar
de una gota tras la noche abre el universo hídrico de Gastón Bachelard, pues
basta una gota para soñar en profundidad. En muchas
de sus obras la creación a partir de lo pequeño, lo cotidiano, nos traslada e
impulsa hasta la química cósmica del universo, a partir de una reconexión con la naturaleza, con el mito del paraíso perdido de
Mircea Eliade.
Arte y naturaleza en su
mano se cruzan y entremezclan de manera sutil, ingenua, poética y reflexiva
para crear mundos sensoriales de gran fuerza y atractivo, comenta Edorta
Kortadi. En sus fotografías, como Aracno-worlds (2012), la sustancia líquida presente en diversos
estadossemezcla íntimamente con la sustancia
nocturna, y nos interroga sobre la vida como en la serie fotográfica Cryopreserved Forms, vidas
criogenizadas.
Bajo una apariencia
cristalina nos plantea una reflexión para un mejor conocimiento de nuestras
contradicciones en torno a los progresos científicos: clonación, manipulación,
investigación animal, evidenciando nuestra incapacidad para pensar conla
naturaleza, para pensar Natura como vida consciente e inteligente. "Sus propuestas traen
ráfagas de aire fresco en nuestro entorno artístico". Edorta Kortadi, `Dissolutio´ los bodegones efímeros de Pilar Soberón.
Dryer of seeds clematide.
META-ILLUSIONI
il giardino dell'impossibiledi Cynthia Penna
“la
storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni
della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione”
(Julian Barnes : Il senso di una fine)
oppure, per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”
Introdurre
o accedere alla Fotografia cd. “concettuale” non appare facile perché
il mezzo fotografico è stato considerato fin dalle sue origini il mezzo
per eccellenza atto a riprodurre la realtà.
Ricordiamo
che è stata proprio l’introduzione della fotografia a mettere in crisi
il mezzo pittorico e tutta la ritrattistica del 19° secolo in quanto era
in grado di riprodurre la realtà “vera” e non quella comunque elaborata
dalla mano e dalla mente dell’artista. Se ci addentriamo nella
semantica della nostra lingua ci accorgiamo che il termine “obiettivo”
contiene molteplici significati: “obiettivo” è un oggetto che serve in
fotografia cioè un oggetto che si “focalizza” su qualcosa e serve a
definirla, a connotarla e a riprodurla; “obiettivo” significa noto ,
accettato dalla comunità come un qualcosa di dato per reale; “obiettivo”
infine è anche lo scopo finale e la metà di una attività , o di un
pensiero. Quindi la medesima parola viene usata per definire situazioni o
oggetti reali, uno spaccato di realtà, e nel contempo per identificare
l’oggetto che in fotografia blocca in una frazione di secondo un
frammento di vita, un frammento di realtà e, come suol dirsi, lo
immortala, lo conduce cioè in una dimensione a-temporale.
I
grandi fotografi del ‘900 da Robert Doisneau, a Cartier-Bresson, al
fotogiornalismo di guerra e di reportage di Steve Mc Curry, passando
poi per la fotografia di esplorazione del corpo umano di Helmut Newton e
Robert Mapplethorpe, raffiguravano la realtà trasponendola su carta
fotografica, immortalando un momento della realtà, del sentimento umano
o del corpo umano fattosi oggetto, cioè oggettivizzato in una azione.
Dryer of seeds clematide.
La
svolta del terzo Millennio ha coinciso con una svolta epocale
nell’ambito della fotografia d’arte: il superamento della realtà e
l’introduzione del surreale, dell’immaginario, dell’illusorio, del
fantastico, e dell’invenzione in quello che da sempre era considerato
l’unico mezzo atto a riprodurre meramente la realtà.
Dopo
circa due secoli di fotografia del “reale”, assistiamo oggi alla
creazione di una fotografia dell’irreale o meta-fotografia.
Il
surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario
inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per
soggettivizzare un messaggio, anzi per comunicare la propria personale
immagine del reale che non è più costretta dalla realtà circostante, ma
spazia nella propria immaginazione.
L’artista
fotografo elabora la realtà,la stravolge, la distorce, entra nel mondo
del falso in contrapposizione al vero per aderire al sogno,e toccare le
corde dell’emozione. Un
neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea,
diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico;
l’elemento dominante della scena riprodotta. Non è più la realtà a
determinare lo scatto, bensì è l’idea che deve prendere forma e che
conduce lo scatto fotografico così come l’idea prende forma e conduce il
pennello del pittore. Non interessa più l’oggetto fotografato, ma il
cosa c’è dietro quella apparente rappresentazione di realtà che di reale
in fin dei conti non ha più nulla.
Phylococccus (2014), detail, seeds of clematide, Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples. photo Paola Tufo.
Si
opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi”
che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione
della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova
di una realtà diversa ; una fotografia “percettiva”, una fotografia che
offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon). Una
riflessione sullo spazio e le sue modificazioni,(N.Evangelisti), ma
anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione
degli stessi.
Lo
spettatore è indotto in errore o in dubbio su cosa stia realmente
guardando: la realtà o l’irrealtà? trattasi di un panorama, di un
orizzonte?ma sarà un orizzonte reale o ideale? l’occhio rimane
frastornato e la mente comincia a viaggiare nell’irreale: l’occhio pone
il dubbio sulla visione e la mente reagisce rifugiandosi nello spazio
emotivo.
Tutto
si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla
dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una
realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa
identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno
stravolgimento della codificazione della percezione nel senso di una
incertezza sulla reale identità di ciò che si sta guardando. Ma
d’altronde non è pur vero che, come osserva J.Barnes: “quel che si
finisce per ricordare non sempre corrisponde a ciò di cui siamo stati
testimoni” e che viviamo di “ricordi approssimati che il tempo ha
deformato in certezze“ ?
La
domanda sorge impellente: e se guardassi alle cose da un’altra
prospettiva? se, superate icone e simboli, mi addentrassi in un universo
nuovo?se guardassi ad una realtà frammentata, frazionata, distorta,e
manipolata ? una realtà “diversa” da quella a cui sono abituato e che in
certo senso “mi aspetto” di vedere? potrei scoprire altre e nuove
verità? nuove sensazioni e nuove percezioni di me stesso?
Un’ipotesi,
un tentativo di coinvolgimento a cui questi artisti mirano;
un’avventura estetica e concettuale che parte dalla visione e finisce
per toccare corde di pura emozione, di estrema fascinazione.“se
da un lato non posso garantire sulla verità dei fatti, dall’altra posso
attenermi alla verità delle impressioni che i fatti hanno prodotto” (J.
Barnes)
Bibliografia: Julian Barnes: Il senso di una fine (Einaudi Ed.)
“La storia è quella certezza che prende consistenza là dove
le imperfezioni della memoria incontrano le inadeguatezze della
documentazione” (Julian Barnes, Il senso di una fine), oppure per dirla
con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”.
Cinque artisti da 5
nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea che ha per
minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave
surrealista e metafisica.
Il surreale, il verso deformato della
realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme
differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio. Un
neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea,
diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico.
“Si
opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi”
che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione
della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova
di una realtà diversa; una fotografia “percettiva”, che offre una nuova e
inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon) - spiega Cynthia
Penna, curatrice della mostra”.
Una riflessione sullo spazio e le
sue modificazioni (N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei
tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.
Tutto si
permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla
dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una
realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa
identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno
stravolgimento della codificazione della percezione. (28.11.14)