Meta-illusions Art1307
Curator: Emiliano D'Angelo and Cynthia Penna
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| Phylococcus (2014), seeds of clematide and colour photograph on aluminium and metacrylate. 5 x 4 m. aprox. Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples. |
ING EU ES ITA
META-ILLUSIONI the garden of impossibility
“History is
that certainty produced at the point where the imperfections of
memory meet the inadequacies of documentation.” (Julian Barnes: The Sense
of an Ending)
Or, to quote Magritte: “This is not a pipe”
To introduce to or explore the world of so-called “conceptual” photography appears anything but easy, because the photographic medium has ever since its early years been considered a means suited, par excellence, to reproduce reality.
We remember that it was precisely the introduction of photography which caused a crisis for painting as a medium and for all portraiture art of the 19th century, as it was capable of reproducing reality as it “really” was and not as it was, in some way or other, elaborated by the hand and mind of the artist. If we examine the semantics of our language we realize that the term “objective” has many meanings: “objective” is an object used in photography, or in other words an object which is “focused” on something and serves to define it, characterize it and reproduce it; “objective” means known, recognized by society as something accepted to be real; and finally “objective” is also the end purpose and aim of an activity or thought. The very same word is therefore used to define real situations or objects, a cross-section of reality, and at the same time to identify the object which, in photography, in a fraction of a second freezes a fragment of life and reality and, as we say, immortalizes is or gives it an atemporal dimension.
The great photographers of the 20th century from Robert Doisneau to Cartier-Bresson, to Steve Mc Curry’s images and reportages of war, to the photographic exploration of the human body of Helmut Newton and Robert Mapplethorpe, showed reality by transposing it to photographic paper, immortalizing an instant of reality, a human sentiment or the human body as object, that is to say objectified in an action.
After about two centuries of photography of “reality”, we are today witnessing the creation of a photography which bears witness to unreality, or meta-photography.
The surreal, the deformed side of reality, the invention of a scenario which does not exist or exists in different forms, comes into play to render a message subjective, or perhaps we should rather say to communicate a personal image of reality that is no longer limited to the surrounding reality but may range
freely within the bounds of the author’s imagination.
The artist-photographer elaborates reality, overturning and distorting it, entering the world of falsehood to oppose truth and follow a dream, and touches the chords of emotion.
It is a matter of a neo-surrealist meta-photography in which the “concept”, the idea, become the only basis and purpose of the photographic shot and the dominant element of the reproduced scene. It is no longer reality which determines when the image is to be taken, but the idea that has to take form and that shows the photographer when to activate the shutter, just as it determine the form and guides the brush in the painter’s hand. The essential element is no longer the photographed object, but what is to be found behind the apparent representation of reality which, in the final analysis, has nothing real about it any longer.
It is a matter of working through “visual hybrids” which entail transformation (C. Greig), distortion and duplication of reality (P. Soussan, M.Machu), to adopt a new perception of a different reality; or a “perceptive photography, a photography which offers a new and hitherto unexplored vision of the things of the world” (P.Soberon).
It may be a reflection on space and the way it changes, (N.Evangelisti), but also on the way time, objects or the way we perceive them change.
The spectator feels deceived or unsure about what he is really looking at: reality or unreality? Is it a matter of a view, of a horizon? But is it a real horizon or a conceptual one? The eye is bewildered, and the mind begins to roam in unreality: the eye casts doubt on vision, and the mind reacts by seeking refuge in an emotional space.
Everything is permeated by subtle ambiguities and transmutations; vision plays on the dichotomy between identity and memory: a research aimed at identifying an objective, known reality and a continuous loss of this identification; the loss of objective references eventually overturns the codification of perception in the sense of an uncertainty about the actual identity of what one is gazing at. But on the other hand, is it not true, as J. Barnes observes, that “what you end up remembering isn’t always the same as what you have witnessed” and that we live on “approximate memories which time has deformed into certainties”? The question begs an answer: and what if we were to look at things from another angle? What if I were to go beyond icons and symbols, to explore a new universe? What if I were to look at a fragmented, fractioned, distorted and manipulated reality? A reality which is “different” from the one I am used to, and which I in a certain sense “expect” to see? May I discover new and different truths? New sensations and new perceptions of myself?
This is one hypothesis, an attempt to involve the spectator which these artists pursue; an aesthetic and conceptual adventure which begins with vision and ends up with touching chords of pure emotion, of extreme fascination.
“If I can’t be sure of the actual events any more, I can at least be true to the impression those facts left (J. Barnes).
Bibliography: Julian Barnes: The Sense of an Ending (Vintage Books, 2011)
Or, to quote Magritte: “This is not a pipe”
To introduce to or explore the world of so-called “conceptual” photography appears anything but easy, because the photographic medium has ever since its early years been considered a means suited, par excellence, to reproduce reality.
We remember that it was precisely the introduction of photography which caused a crisis for painting as a medium and for all portraiture art of the 19th century, as it was capable of reproducing reality as it “really” was and not as it was, in some way or other, elaborated by the hand and mind of the artist. If we examine the semantics of our language we realize that the term “objective” has many meanings: “objective” is an object used in photography, or in other words an object which is “focused” on something and serves to define it, characterize it and reproduce it; “objective” means known, recognized by society as something accepted to be real; and finally “objective” is also the end purpose and aim of an activity or thought. The very same word is therefore used to define real situations or objects, a cross-section of reality, and at the same time to identify the object which, in photography, in a fraction of a second freezes a fragment of life and reality and, as we say, immortalizes is or gives it an atemporal dimension.
The great photographers of the 20th century from Robert Doisneau to Cartier-Bresson, to Steve Mc Curry’s images and reportages of war, to the photographic exploration of the human body of Helmut Newton and Robert Mapplethorpe, showed reality by transposing it to photographic paper, immortalizing an instant of reality, a human sentiment or the human body as object, that is to say objectified in an action.
After about two centuries of photography of “reality”, we are today witnessing the creation of a photography which bears witness to unreality, or meta-photography.
The surreal, the deformed side of reality, the invention of a scenario which does not exist or exists in different forms, comes into play to render a message subjective, or perhaps we should rather say to communicate a personal image of reality that is no longer limited to the surrounding reality but may range
freely within the bounds of the author’s imagination.
The artist-photographer elaborates reality, overturning and distorting it, entering the world of falsehood to oppose truth and follow a dream, and touches the chords of emotion.
It is a matter of a neo-surrealist meta-photography in which the “concept”, the idea, become the only basis and purpose of the photographic shot and the dominant element of the reproduced scene. It is no longer reality which determines when the image is to be taken, but the idea that has to take form and that shows the photographer when to activate the shutter, just as it determine the form and guides the brush in the painter’s hand. The essential element is no longer the photographed object, but what is to be found behind the apparent representation of reality which, in the final analysis, has nothing real about it any longer.
It is a matter of working through “visual hybrids” which entail transformation (C. Greig), distortion and duplication of reality (P. Soussan, M.Machu), to adopt a new perception of a different reality; or a “perceptive photography, a photography which offers a new and hitherto unexplored vision of the things of the world” (P.Soberon).
It may be a reflection on space and the way it changes, (N.Evangelisti), but also on the way time, objects or the way we perceive them change.
The spectator feels deceived or unsure about what he is really looking at: reality or unreality? Is it a matter of a view, of a horizon? But is it a real horizon or a conceptual one? The eye is bewildered, and the mind begins to roam in unreality: the eye casts doubt on vision, and the mind reacts by seeking refuge in an emotional space.
Everything is permeated by subtle ambiguities and transmutations; vision plays on the dichotomy between identity and memory: a research aimed at identifying an objective, known reality and a continuous loss of this identification; the loss of objective references eventually overturns the codification of perception in the sense of an uncertainty about the actual identity of what one is gazing at. But on the other hand, is it not true, as J. Barnes observes, that “what you end up remembering isn’t always the same as what you have witnessed” and that we live on “approximate memories which time has deformed into certainties”? The question begs an answer: and what if we were to look at things from another angle? What if I were to go beyond icons and symbols, to explore a new universe? What if I were to look at a fragmented, fractioned, distorted and manipulated reality? A reality which is “different” from the one I am used to, and which I in a certain sense “expect” to see? May I discover new and different truths? New sensations and new perceptions of myself?
This is one hypothesis, an attempt to involve the spectator which these artists pursue; an aesthetic and conceptual adventure which begins with vision and ends up with touching chords of pure emotion, of extreme fascination.
“If I can’t be sure of the actual events any more, I can at least be true to the impression those facts left (J. Barnes).
Bibliography: Julian Barnes: The Sense of an Ending (Vintage Books, 2011)
Preface by Cynthia Penna
Napoli.
“La storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni
della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione” (Julian Barnes,
Il senso di una fine), oppure per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”.
Cinque artisti da 5 nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea che ha per minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave surrealista e metafisica.
Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio. Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico.
“Si opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi” che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova di una realtà diversa; una fotografia “percettiva”, che offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon) - spiega Cynthia Penna, curatrice della mostra”.
Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni (N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.
Tutto si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno stravolgimento della codificazione della percezione. (28.11.14)
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| Phylococccus (2014), detail, seeds of clematide, Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples. |
Pilar Soberón by Emiliano D'Angelo
With
her photographs and installations, all centred on her fascination with
the natural sciences, the interaction between elements, vegetal and
animal microbiology, Pilar Soberon explores the heart of a sensibility
that is ancient yet once again topical, concerning the most
authoritative of epistemological models: the age of Newtonian mechanics
with its vision of nature as inert matter without any intelligence,
purpose or volitional energy having come to an end, the essential
nucleus of a vision which predated Socrates and the Renaissance seems to
have come forcefully to the fore, even if dissimulated behind an aura
of modern holistic and eco-syncretic concepts. It is a matter of an
approach to science characterized by a sensual and Dionysian flavour,
which is based on an inclusive and overwhelming use of analogies rather
than on pigeonholing and distinctive antinomies. Also the Basque
artist’s curiosity with homothetic structures, whose fractal geometries
represents the most fascinating and recurrent archetype, testifies to
this.
Analogously – and this represents a departure from the path chosen by photographers of the “post-human” generation as Paul McCarthy and Aziz + Cucher -, Soberon is not interested in the human element, not in order to herald a presumed psychic and biologic apocalypse by staring into a glum and ultimate future but to retrace her common ascendancy with flowers, insects, leaves and the very molecules of water, an element essential to life which always plays an important role in her images. This attraction for the liquid matrix of life and organic matter is an essential element in an aesthetic (assertive and certainly not negative) based on crossing borders and hybridizing of a clearly postmodern character.
Analogously – and this represents a departure from the path chosen by photographers of the “post-human” generation as Paul McCarthy and Aziz + Cucher -, Soberon is not interested in the human element, not in order to herald a presumed psychic and biologic apocalypse by staring into a glum and ultimate future but to retrace her common ascendancy with flowers, insects, leaves and the very molecules of water, an element essential to life which always plays an important role in her images. This attraction for the liquid matrix of life and organic matter is an essential element in an aesthetic (assertive and certainly not negative) based on crossing borders and hybridizing of a clearly postmodern character.
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| Aracno-worlds I, (2012), colour photograph on aluminium and metacrylate, 70 x 100 cm. |
In
her “Aracno-worlds” and “Nocturnos” series we witness the metamorphic
adventures of solids that turn into liquid or gaseous substances, plants
that turn into spiders, simple water drops which emulate the geometric
and precious shapes of amethysts or amber pearls, semi-transparent
valves set on the epidermis of enigmatic and hybrid molluscs. In her
“Cryopreserved forms” series the refined dialectic between opposites as
hot/cold, liquid/solid, opaque/transparent seem to combine an
exquisitely contemporary sensibility with echoes of noble and antique
philosophic systems as those of Tales, Empedocles, and Bernardino
Telesio.
Sidestepping the temptation to pursue results that become overly lyric, surreal or that smack of new age, the artist pursues a line of iconographic rigour that never loses sight of the purely scientific basis of her speculative interest.
This distinguishes her research, also in terms of quality, from the work of countless other photographers who have wrestled with the representation of natural micro-phenomena without a clear theoretic and cultural consciousness.
Sidestepping the temptation to pursue results that become overly lyric, surreal or that smack of new age, the artist pursues a line of iconographic rigour that never loses sight of the purely scientific basis of her speculative interest.
This distinguishes her research, also in terms of quality, from the work of countless other photographers who have wrestled with the representation of natural micro-phenomena without a clear theoretic and cultural consciousness.
To cross the border between cognitive approach and expressive attitude, between science and emotion, between sensuality and avant-garde (that old 20th-century taboo): this is no longer the heretic ambition of a handful of “overly eclectic” artists, relegated to the margins of the great international movements; it has become one of the most prolific and interesting developments which seem to characterize the new millennium.
Turning to the science of the future, Pilar Soberon invites it to dialogue with art and with the psyche, to itself turn into a form of art and thus redeem itself from the mortifying, alienating awareness of having been degraded to the role of handmaiden of applied technologies.
Turning to the science of the future, Pilar Soberon invites it to dialogue with art and with the psyche, to itself turn into a form of art and thus redeem itself from the mortifying, alienating awareness of having been degraded to the role of handmaiden of applied technologies.
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| Cryoperserved forms VII (2014) |
Soberonen lanak Italian ikusgai
Txintxarri
2015/02/20
Pilar Soberon
herriko artistak Napolin ikusgai jarri du “Phylococcus installation”
lana. Honakoa Art 1307 kultur erakundeak antolatutako Meta-illusioni
erakusketaren baitako lana izan da. Erakusketan, nazioarteko artista
ezberdinek parte hartu dute. Esperientzia aberasgarria izan dela
aipatzen du Soberonek eta dagoeneko Koldo Mitxelenan martxoaren 12an
zabalduko den erakusketa prestatzen ari da.
Pilar Soberon herriko
artistaren lanak Napolin ikusi ahal izan dira azaroaren amaieran hasi
eta urtarrilaren amaiera arte zabalik izan den 'Meta-Illusioni' izeneko
erakusketan.
Honakoa, Napoliko Villa Di Donato jauregi historikoan burutu zen,
garai bateko Borboitarren etxean. Egun, artearekin lotura duten ekimenak
egiteko uzten du jabeak. Soberonen hitzetan, “giro berezia“ sortzen
zuen lekuak.
Pilar Soberon Lasarte-Oriako artistaren lanekin batera, Philip
Soussan, Michal Macku, Cynthia Greig eta Nicola Evangelistirenak izan
dira. Erakusketaren ildo nagusia 'argazkilaritzak sortzen dituen
ilusioa' zen eta hauek islatzen dituzten lan ezberdinen bilduma osatu
zuen Cultural Art 1307 erakunde artistikoak. Aipatu behar da honakoak bi
egoi-tza dituela, bata Napolin eta bestea Kalifornian. Honek adierazten
du artistaren hi-tzetan erakusketak izan duen maila eta oihartzuna
artearen sektorearen baitan.
“Orokorrean, oso aberasgarria izan da esperientzia, herrialde
ezberdinetako artistekin harremana izatea beti da ona. Milan, Paris,
Pragakoak...“. Horretaz gain, “Italia oso leku aproposa da artearen
munduari dagokionean. Zaletasun asko dago eta komisario eta arte galeria
ugari. Giro horretan norberaren lana ezagutzera emateak ate asko
zabaldu ditzake. Jendea ezagutu eta harreman profesional berriak
sortzeko aukera dago”, aipatu du Soberonek.
Laguntza beharra
Hala ere, artistentzat ez da erraza izaten nazioarteko erakusketetan parte hartzea eta kasu honetan Etxepare Institutuaren laguntza izan du Soberonek bere lana bertara eramateko. Zehazki, beka bat eskuratuta eraman du bere lana Italiara.
Hala ere, artistentzat ez da erraza izaten nazioarteko erakusketetan parte hartzea eta kasu honetan Etxepare Institutuaren laguntza izan du Soberonek bere lana bertara eramateko. Zehazki, beka bat eskuratuta eraman du bere lana Italiara.
Horrelako gehiago egon beharko liratekeela aipatzen du: “Artea
sustatzeko ekimenak beharrezkoak dira, artista batentzat oso zaila da
nazioartean mugitzea baliabiderik gabe”.
Argazkiak beste mota bateko elementu artistikoekin uztartu ditu eta hauen bidez lasarteoriarraren lanen sortze prozesua ulertu ahal izan dute bertaratutakoek. Naturako elementu ezberdinak erabili ohi ditu Soberonek bere lanetan. Besteak beste, haziak. Elementu hauekin, berriak sortzen ditu gogoetarako objektu bilakatuz.
Argazkiak beste mota bateko elementu artistikoekin uztartu ditu eta hauen bidez lasarteoriarraren lanen sortze prozesua ulertu ahal izan dute bertaratutakoek. Naturako elementu ezberdinak erabili ohi ditu Soberonek bere lanetan. Besteak beste, haziak. Elementu hauekin, berriak sortzen ditu gogoetarako objektu bilakatuz.
Aldi berean, artistak materiaren egoera aldaketak jaso ditu bere
argazkietan 'Cryopreserved Forms' lanean erakutsi bezala. Ihin-tza,
tanta baten mugimendua... Artistak lan honekin klonazioa,
manipulazioa...landu nahi izan ditu gizakiak egun naturarekin
pentsatzeko duen gaitasun falta azpimarratzeko helburuarekin.
Martxoan Donostian
Napoliko erakusketaren ostean, hurrengoaren prestaketetan ari da Pilar Soberon.
“Paisaiaren murmurioa” izeneko erakusketa zabalduko dute martxoaren 12an Donostiako Koldo Mitxelena kultur gunean eta bertan izango dira beste artista batzuen lanekin batera, herrikoarenak ere.
Napoliko erakusketaren ostean, hurrengoaren prestaketetan ari da Pilar Soberon.
“Paisaiaren murmurioa” izeneko erakusketa zabalduko dute martxoaren 12an Donostiako Koldo Mitxelena kultur gunean eta bertan izango dira beste artista batzuen lanekin batera, herrikoarenak ere.
Herritarrek beraz, aukera izango dute Donostiara gerturatu eta artistaren lanak bertatik bertara ezagutzeko.
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| Phylococccus (2014), seeds of clematide and colour photograph on aluminium and metacrylate. Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples. |
Pilar Soberón muestra Phylococcus installation
en Nápoles, en la exposición colectiva internacional Meta-illusioni de la Institución
Cultural Art1307.
En el contexto de la muestra fotográfica Meta-illusini, del acto fotográfico a la percepción de la realidad, Pilar Soberón ( San Sebastián 1971) exhibe Phylococcus installation insertando entre obras fotográficas una efímera y poética instalación de semillas interactuando con el propio lenguaje fotográfico y el resto de los artistas internacionales Philippe Soussan ( París 1968), Michal Macku (1963 Bruntal), Chynthia Greig ( Detroit 1959) y Nicola Evangelisti ( Bologna 1972) que completan la visión que Chynthia Penna directora de la Institución cultural Art 1307, situadada en Nápoles y California, y Emiliano D'Angelo co-curator de la exposición, nos ofrecen en la villa borbona del 700, Villa Di Donato, en Nápoles en torno a lo fotogáfico y el acto de creación.
Acercarse a conocer y comprender los planteamientos artísticos, reflexiones y cuestiones que abarca Pilar Soberón en Phylococcus Installation supone visualizar y entender su proceso creativo y cognitivo, pues emerge desde diferentes disciplinas y lenguajes, de ahí que en la muestra se alternen fotografía e instalación, creando nuevos medios de comunicación a la vez que agita nuestra conciencia.
Acercarse a conocer y comprender los planteamientos artísticos, reflexiones y cuestiones que abarca Pilar Soberón en Phylococcus Installation supone visualizar y entender su proceso creativo y cognitivo, pues emerge desde diferentes disciplinas y lenguajes, de ahí que en la muestra se alternen fotografía e instalación, creando nuevos medios de comunicación a la vez que agita nuestra conciencia.
En cada uno de estos
artistas con trayectoria internacional desde la Bienal de Venecia al Museum of Fine Arts Boston, el proceso creativo es crucial pues todos
investigan lo fotográfico de una manera abierta e interdisciplinar, experimentando
y fusionando técnicas y lenguajes. Nicola Evangelisti investiga la luz
proyectada en rayos de energía creando esculturas e instalaciones site specific, Michal Macků, ha
inventado un proceso mediante el cual combina la emulsión de gelatina y el collage
sobre vidrio, Chynthia Greig interviene sobre la fotografía con dibujo y
explosiones investigando desde la percepción y la experiencia, Pilar Soberón es
una gran recolectora de elementos naturales orgánicos y efímeros, con los que
juega y transforma de manera demiúrgica en objetos de reflexión y plasmación
artística y Philippe Soussan descompone la imagen sobre pliegos pictóricos que
recrean el objeto real escondido bajo su propia representación pictórica.
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| Cryoperserved forms V (2014) |
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| Cryoperserved forms IV (2014) |
La
idea de caminar y recolectar como acción es parte del proceso de trabajo de
Pilar Soberón, recolectar forma parte de la memoria genética latente en el
individuo, pues recolectamos en la naturaleza desde nuestros orígenes, y la
acción de caminar se desarrolla como pensamiento y acción en artistas que unen la experiencia y
la vida como Joseph Beuys, Bruce Nauman o Robert Smithson e interactúan con
aquello que encuentran en su caminar. Así los elementos naturales recolectados,
semillas, polen, plantas... se
convierten de un modo sostenible en site-specific
obras creadas para un espacio dado como es la instalación Phylococcus en algo
fluido y etéreo que nos transporta a Natura, como un leve tránsito de lo
orgánico a lo inorgánico, de lo vivo a lo muerto, como una levedad del ser que
fluye y se disuelve, que se nos escapa y trasciende hacia lo infinito.
Del mismo modo la artista recoge cambios
de estado que documenta fotográficamente sobre ella misma, como son Cryopreserved Forms (2014), vidas
criogenizadas. A partir de la observación de procesos, el
deshielo, el rocío, las partículas vegetales que atraen la humedad, el vibrar
de una gota tras la noche abre el universo hídrico de Gastón Bachelard, pues
basta una gota para soñar en profundidad. En muchas
de sus obras la creación a partir de lo pequeño, lo cotidiano, nos traslada e
impulsa hasta la química cósmica del universo, a partir de una reconexión con la naturaleza, con el mito del paraíso perdido de
Mircea Eliade.
Arte y naturaleza en su
mano se cruzan y entremezclan de manera sutil, ingenua, poética y reflexiva
para crear mundos sensoriales de gran fuerza y atractivo, comenta Edorta
Kortadi. En sus fotografías, como Aracno-worlds (2012), la sustancia líquida presente en diversos
estados se mezcla íntimamente con la sustancia
nocturna, y nos interroga sobre la vida como en la serie fotográfica Cryopreserved Forms, vidas
criogenizadas.
Bajo una apariencia
cristalina nos plantea una reflexión para un mejor conocimiento de nuestras
contradicciones en torno a los progresos científicos: clonación, manipulación,
investigación animal, evidenciando nuestra incapacidad para pensar con la
naturaleza, para pensar Natura como vida consciente e inteligente. "Sus propuestas traen
ráfagas de aire fresco en nuestro entorno artístico". Edorta Kortadi, `Dissolutio´ los bodegones efímeros de Pilar Soberón.
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| Dryer of seeds clematide. |
META-ILLUSIONI
il giardino dell'impossibile di Cynthia Penna
“la
storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni
della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione”
(Julian Barnes : Il senso di una fine)
oppure, per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”
Introdurre
o accedere alla Fotografia cd. “concettuale” non appare facile perché
il mezzo fotografico è stato considerato fin dalle sue origini il mezzo
per eccellenza atto a riprodurre la realtà.
Ricordiamo
che è stata proprio l’introduzione della fotografia a mettere in crisi
il mezzo pittorico e tutta la ritrattistica del 19° secolo in quanto era
in grado di riprodurre la realtà “vera” e non quella comunque elaborata
dalla mano e dalla mente dell’artista. Se ci addentriamo nella
semantica della nostra lingua ci accorgiamo che il termine “obiettivo”
contiene molteplici significati: “obiettivo” è un oggetto che serve in
fotografia cioè un oggetto che si “focalizza” su qualcosa e serve a
definirla, a connotarla e a riprodurla; “obiettivo” significa noto ,
accettato dalla comunità come un qualcosa di dato per reale; “obiettivo”
infine è anche lo scopo finale e la metà di una attività , o di un
pensiero. Quindi la medesima parola viene usata per definire situazioni o
oggetti reali, uno spaccato di realtà, e nel contempo per identificare
l’oggetto che in fotografia blocca in una frazione di secondo un
frammento di vita, un frammento di realtà e, come suol dirsi, lo
immortala, lo conduce cioè in una dimensione a-temporale.
I
grandi fotografi del ‘900 da Robert Doisneau, a Cartier-Bresson, al
fotogiornalismo di guerra e di reportage di Steve Mc Curry, passando
poi per la fotografia di esplorazione del corpo umano di Helmut Newton e
Robert Mapplethorpe, raffiguravano la realtà trasponendola su carta
fotografica, immortalando un momento della realtà, del sentimento umano
o del corpo umano fattosi oggetto, cioè oggettivizzato in una azione.
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| Dryer of seeds clematide. |
La
svolta del terzo Millennio ha coinciso con una svolta epocale
nell’ambito della fotografia d’arte: il superamento della realtà e
l’introduzione del surreale, dell’immaginario, dell’illusorio, del
fantastico, e dell’invenzione in quello che da sempre era considerato
l’unico mezzo atto a riprodurre meramente la realtà.
Dopo
circa due secoli di fotografia del “reale”, assistiamo oggi alla
creazione di una fotografia dell’irreale o meta-fotografia.
Il
surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario
inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per
soggettivizzare un messaggio, anzi per comunicare la propria personale
immagine del reale che non è più costretta dalla realtà circostante, ma
spazia nella propria immaginazione.
L’artista
fotografo elabora la realtà,la stravolge, la distorce, entra nel mondo
del falso in contrapposizione al vero per aderire al sogno,e toccare le
corde dell’emozione.
Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico; l’elemento dominante della scena riprodotta. Non è più la realtà a determinare lo scatto, bensì è l’idea che deve prendere forma e che conduce lo scatto fotografico così come l’idea prende forma e conduce il pennello del pittore. Non interessa più l’oggetto fotografato, ma il cosa c’è dietro quella apparente rappresentazione di realtà che di reale in fin dei conti non ha più nulla.
Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico; l’elemento dominante della scena riprodotta. Non è più la realtà a determinare lo scatto, bensì è l’idea che deve prendere forma e che conduce lo scatto fotografico così come l’idea prende forma e conduce il pennello del pittore. Non interessa più l’oggetto fotografato, ma il cosa c’è dietro quella apparente rappresentazione di realtà che di reale in fin dei conti non ha più nulla.
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| Phylococccus (2014), detail, seeds of clematide, Meta-illusioni, Villa di Donato, Cultural Institution Art 1307, Naples. photo Paola Tufo. |
Si
opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi”
che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione
della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova
di una realtà diversa ; una fotografia “percettiva”, una fotografia che
offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon).
Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni,(N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.
Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni,(N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.
Lo
spettatore è indotto in errore o in dubbio su cosa stia realmente
guardando: la realtà o l’irrealtà? trattasi di un panorama, di un
orizzonte?ma sarà un orizzonte reale o ideale? l’occhio rimane
frastornato e la mente comincia a viaggiare nell’irreale: l’occhio pone
il dubbio sulla visione e la mente reagisce rifugiandosi nello spazio
emotivo.
Tutto
si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla
dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una
realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa
identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno
stravolgimento della codificazione della percezione nel senso di una
incertezza sulla reale identità di ciò che si sta guardando. Ma
d’altronde non è pur vero che, come osserva J.Barnes: “quel che si
finisce per ricordare non sempre corrisponde a ciò di cui siamo stati
testimoni” e che viviamo di “ricordi approssimati che il tempo ha
deformato in certezze“ ?
La
domanda sorge impellente: e se guardassi alle cose da un’altra
prospettiva? se, superate icone e simboli, mi addentrassi in un universo
nuovo?se guardassi ad una realtà frammentata, frazionata, distorta,e
manipolata ? una realtà “diversa” da quella a cui sono abituato e che in
certo senso “mi aspetto” di vedere? potrei scoprire altre e nuove
verità? nuove sensazioni e nuove percezioni di me stesso?
Un’ipotesi,
un tentativo di coinvolgimento a cui questi artisti mirano;
un’avventura estetica e concettuale che parte dalla visione e finisce
per toccare corde di pura emozione, di estrema fascinazione.“se
da un lato non posso garantire sulla verità dei fatti, dall’altra posso
attenermi alla verità delle impressioni che i fatti hanno prodotto” (J.
Barnes)
Bibliografia: Julian Barnes: Il senso di una fine (Einaudi Ed.)
Bibliografia: Julian Barnes: Il senso di una fine (Einaudi Ed.)
“La storia è quella certezza che prende consistenza là dove le imperfezioni della memoria incontrano le inadeguatezze della documentazione” (Julian Barnes, Il senso di una fine), oppure per dirla con Magritte: “Ceci n’est pas une pipe”.
Cinque artisti da 5 nazioni per una carrellata sulla fotografia contemporanea che ha per minimo comun denominatore la riproduzione della realtà in chiave surrealista e metafisica.
Il surreale, il verso deformato della realtà, l’invenzione di uno scenario inesistente o esistente sotto forme differenti, entrano in gioco per soggettivizzare un messaggio. Un neosurrealismo, una meta-fotografia in cui il “concetto”, l’idea, diventano l’unico supporto e il fine stesso dello scatto fotografico.
“Si opera attraverso “visual Hybrids” cioè attraverso degli “ibridi visivi” che comportano trasformazione (C. Greig), distorsione e duplicazione della realtà (P. Soussan, M.Machu), per aderire ad una percezione nuova di una realtà diversa; una fotografia “percettiva”, che offre una nuova e inesplorata visione delle cose del mondo (P.Soberon) - spiega Cynthia Penna, curatrice della mostra”.
Una riflessione sullo spazio e le sue modificazioni (N.Evangelisti), ma anche sulla modificazione dei tempi, o degli oggetti o della percezione degli stessi.
Tutto si permea di sottili ambiguità e trasmutazioni; la visione gioca sulla dicotomia tra identità e ricordo: ricerca di identificazione di una realtà oggettuale, conosciuta e perdita continua di questa identificazione; la perdita di riferimenti oggettivi induce uno stravolgimento della codificazione della percezione. (28.11.14)
